DOS MIRADAS DE UN MISMO TEMA



EL CIUDADANO KANE



Título Original: Citizen Kane
Año: 1941
Director: Orson Welles
Guión: Orson Welles & Herman J. Makiewicz
Banda Sonora: Bernard Herrmann
Fotografía: Gregg Toland (B&W)
Reparto: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd
Productora: RKO / Mercury Theatre Productions
Género: Drama. Periodismo (Premio Oscar: Mejor guión original)
Duración: 119 min. País: EUA.


Rosebud y Orson Welles son palabras que resuenan con potencia en las mentes de los actuales directores de cine. Ninguno de ellos puede darse el lujo de pasar por una escuela, o pretender realizar una historia que cautive sin fijarse en el filme que quebranta las nociones básicas de los planos, las imágenes superpuestas y la fotografía estructurada. ¿De dónde provienen todas estas alabanzas para una película que pertenece a la desaparecida realización en blanco y negro; que tiene un guión bastante similar al de un típico relato policial? La respuesta aparece desde el principio, por medio de la magistral puesta en escena de una banda sonora que potencia la orquesta de esa época, donde las estructuras de la composición pasan por el proceso del impresionismo para llegar al modernismo puro (con Debussy y Messiean como máximos representantes). De todos modos, los que gustamos de analizar una película lo sabemos, la parte esencial está en la estructura del guión, además de la representación potente de los personajes. Aquí, Welles conoce que un público más o menos hastiado de ver películas de amor, tristeza o desencuentros necesita percibir algo que lo conecte con la intriga, el misterio, al tiempo que aprecia un existir agitado por los sucesos actuales, reales, de carácter. Charles Foster Kane tiene mucho de donde sacar partido. Es uno de los últimos grandes millonarios que los EUA ha conocido de manera cercana, ahora que los medios de comunicación toman mayor fuerza. El diario que maneja desde hace años lo tiene catapultado a la fama y reconocimiento de todo el gremio; despierta dudas, temores, envidia; en vez de ser considerado un simple director que tomó las riendas de un periódico que parecía anticuado, es considerado un ente de pensamiento, que da claridad al pueblo, debido a la forma en que elabora las noticias, los titulares. Cada escena mostrada aquí lleva a la novedad que trae consigo el filme: la utilización, por primera vez, del flash-back, conocido, en la literatura, desde “En busca del tiempo perdido”, de Proust, pero jamás mostrado en el celuloide. ¿La razón de esto? Lo que aparece después del citado inicio orquestado: la muerte del acaudalado Kane, quien, a medida que forja su imperio, va creciendo, madura, pasa sus ideales periodísticos al mundo político, acrecienta su valor de líder de opinión, y, por cierto, el motivo que desencadena saber cuál es el origen de Rosebund (última palabra pronunciada al morir), aumenta la posibilidad de tener cientos de enemigos, de posibles asesinos. Para algunos, puede ser un grosero que luce a viva voz sus dólares y posesiones; para otros, es un ser persistente, que siempre desea salirse con la suya, y, que, de igual manera, lo hace por consolidar una idea. Las psicologías van apareciendo unas con otras; los enredos amorosos parecen estar fusionados a la naturalidad del protagonista; las impresiones de los hechos tienen puntos de vista diferentes. En sí, lo que Welles ha querido representar desde siempre: una ficción que cale en las mentes de los espectadores sin que al final del cuento se crea que sólo es una invención más. La profundidad de campo (proveniente del realismo poético de franceses como Jean Renoir); las fotografías en claroscuro y juegos de iluminación (herencia del expresionismo alemán de principios del siglo); las escenografías techadas (nada común para la época); el notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings; los recursos utilizados al estilo del periodismo; el posicionamiento de la visión directiva y de producción; lo avalan. El resto, el desentrañamiento de la desaparición de Kane, queda a modo de reflexión de la omnipresencia de la subjetividad del ser humano.

Es real, es tremendo. El pilar del legado de Welles.

Calificación: 6.9.

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UNA MENTE BRILLANTE


DEL LIBRO AL CINE

Título Original: A Beuatiful Mind
Título Alternativo: Una Mente Maravillosa
Director: Ron Howard
Guión: Akiva Goldsman. Basado en el libro de Sylvia Nasar.
Banda Sonora: James Horner
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ed Harris, Paul Bettany, Adam Goldberg, Christopher Plummer, Judd Hirsch, Josh Lucas, Anthony Rapp.
Duración: 130 min.
Año: 2001
Productora: Dreamworks / Universal Pictures / Imagine Entertainment.

País: EUA.

Van a premiar a un loco; sólo cumplo con avisarles. Así responde un anciano John Forbes Nash a uno de los académicos que intenta conocer algo más de su gran carrera educativa. ¿Demente, y en una universidad? Es así. La esquizofrenia permite reconocer los comportamientos que salen de la barrera de lo común, al punto de tener plena conciencia de que éstos son aplacados, en gran medida, gracias a los medicamentos. Está claro que cuesta; el matemático lo sabe muy bien. Su incorporación a la Universidad de Princeton, durante su juventud, supone tener los cinco sentidos puestos en un único objetivo: validar la prestigiosa beca Carnegie, por medio de un proyecto que sea útil, distinto a todo lo ya existente. El compañero de habitación también conoce el gran esfuerzo que significa estudiar para convertirse en un hombre que le sirva al Estado, que salga de los simples cánones. Lo otro también radica en el resto de la generación que pasa los días universitarios en el período anterior al logro que catapultará a la fama al protagonista. De todos modos, la cuestión importante está ligada con este punto, ya que Nash podría ser mirado de la misma forma que cientos de profesionales que han conseguido añadir su nombre a una lista de laureados. Si el lector examina con regularidad estas líneas, podrá darse cuenta que se habla de dos aspectos; uno, mostrar una tesis sin precedentes; y, dos, salir, aunque sea por algunos momentos, de la enfermedad mental. Sylvia Nasar se adelantó a todos nosotros, por cierto. La escritora estadounidense supuso que narrar la historia de un hombre que, pese a las dificultades, consiguió posicionar sus ideas en diferentes campos de la investigación, y, por ello, obtener el aprecio de sus pares, supera los tradicionales esquemas en donde la superación de las adversidades recién se acciona cuando aparece una especie de iluminación, o “acto que marca la vida”. Tal vez la rubia que aparece en el bar universitario podría ingresar en esa categoría, al ser el punto de partida del postulado matemático-económico que trascendería las paredes de Princeton para instalarse en la biología, la astronomía y las ciencias sociales. Un espacio olvidado por Adam Smith, padre de la economía moderna, hace que la confundida al tiempo que hábil mente del joven estudiante permita indicar que ahí está la clave de los futuros negocios; nada de “manos invisibles”, nada de acciones externas; es el propio ser humano quien decide la forma en que conseguirá sus fines, a través de aquello que podría ser menos grandioso, pero que sin embargo es más seguro. Es el “Equilibrio de Nash”. Ahora corresponde al cine mostrar la prolijidad, la fuerza con que el personaje ingresa al Instituto Tecnológico de Massachussets, defiende al Gobierno de los Estados Unidos en una inminente ataque soviético, acepta estar enfermo, se enamora, se casa, se apoya en su matrimonio y sigue sosteniendo la vida que hasta ese entonces había afirmado su noción de humano. Aquí vemos a un Russell Crowe potente, que reafirma las críticas positivas tras su actuación en “Gladiador”. Si Ron Howard, el director, necesita seriedad, la tiene; si un estado de inocencia en las escrituras con tiza de los ventanales universitarios, deben efectuarse con tranquilidad, nadie apura, ahí está Crowe, consciente de que cada escena, primer plano, gesto, tendrá que llevar parte de su propia vida; porque, al final, en eso se transforma un artista cinematográfico, en su personaje, en el desdoblamiento obligatorio. Aquellos que hemos conocido muy de cerca lo que es estar tirado en el suelo para luego levantarse, y construir todo de nuevo; seguimos los pasos de un auditorio dispuesto a ignorar que a quien se está premiando haya imaginado, siga imaginando seres, sucesos, o diga estar incapacitado para recibir tamaña recompensa. Lo esencial es que su contribución es mayor que cualquier otro aspecto. Hay que ser maduros; hay que levantarse de los asientos para aplaudir. El Premio Nobel es tan sólo un último paso; acá más bien se recompensa una vida entera.
Tres pilares cumplidos a cabalidad: guión adaptado, banda sonora y fotografía.

Calificación: 6,4.

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El Crítico

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Location: Santiago, Región Metropolitana, Chile

    Imagen hospedada por Subir-Imagenes.com

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GANADORES PREMIOS OSCAR 2007






      Mejor Película: Los Infiltrados

      Mejor Director: Martin Scorsese

      Mejor Actor Principal: Forest Whitaker, "El último rey de Escocia"

      Mejor Actriz Principal: Helen Mirren, "The Queen"

      Mejor Actor Secundario: Alan Arkin , "Pequeña Miss Sunshine"

      Mejor Actriz de Reparto: Jennifer Hudson, "Dreamgirls"

      Mejor Película Extranjera: Las vidas de otros, Alemania

      Mejor Guión Original: Michael Arnt, "Pequeña Miss Sunshine"

      Mejor Dirección de Fotografía: Guillermo Navarro, "El laberinto del Fauno"

      Mejor Guión Adaptado: Los Infiltrados

      Mejor Película de Animación: Happy Feet

      Mejor Edición: Thelma Schoonmaker, Los Infiltrados

      Mejor Dirección Artística: El laberinto del fauno

      Mejor Diseño de Vestuario: Milena Canonero ("María Antonieta")

      Mejor Banda Sonora: Gustavo Santaolalla ("Babel")

      Mejor Canción: I need to wake up ("Una verdad incómoda")

      Mejor Maquillaje: El laberinto del fauno

      Mejor Sonido: Dreamgirls

      Mejores Efectos Especiales: Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto

      Mejor Documental: Una verdad incómoda

      Mejor Corto Documental: The blood of Yingzhou district

      Mejor Corto de Animación: The Danish Poet

      Mejor Cortometraje: West bank Story

      Oscar Honorífico: Ennio Morricone.
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