tag:blogger.com,1999:blog-190647382024-03-07T00:42:58.661-08:00Doble CríticaDOS MIRADAS DE UN MISMO TEMAAlejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.comBlogger23125tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-87895792449117693062007-08-28T20:38:00.000-07:002008-12-08T17:21:10.179-08:00AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA.-<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihKsFBQgTFHKJb_9LL774Km44s6KxhmZjMA6KGeBD9Hh24VpQ8VYaExXyec36iqBjbkbnzZa4rb4AnyJUH-FCMxwK9zTEh5DKjgzQ-mpgIbgYISkex0GCjzqP16o74iYMEwRv1iQ/s1600-h/1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5103965364983784210" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihKsFBQgTFHKJb_9LL774Km44s6KxhmZjMA6KGeBD9Hh24VpQ8VYaExXyec36iqBjbkbnzZa4rb4AnyJUH-FCMxwK9zTEh5DKjgzQ-mpgIbgYISkex0GCjzqP16o74iYMEwRv1iQ/s320/1.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:130%;"><strong>Series que dejan huella.</strong><br /></span><br /><span style="font-size:130%;">Reunir los estereotipos de la sociedad actual en un mismo sitio tiene una connotación distinta cuando las personas que los representan están en la obligación de convivir en un edificio o comunidad. Las diferencias, los roces, los malos tratos, las situaciones que son tan propias del ser humano, tal vez por desestimación, o ignorancia, se dejan ver con mayor notoriedad, a medida que pasa el tiempo, sobre todo si, en más de una ocasión, la vida de algunos se ve interferida o desequilibrada, por la intrusión de los demás.<br />El humor, por cierto, es un arma de doble filo a la hora de utilizar la ironía, el desorden, las palabras que se salen de contexto, y los deseos de convivencia, o las ineludibles escenas en que el amor también toca su parte. ¿Qué valor tiene una serie en la que, a cada segundo, se deja entrever la estupidez con la que las personas tienden a reaccionar ante las trivialidades, y los prejuicios? Muy probablemente esta pregunta se responde a sí misma, ya que, sea de la manera que fuere, las palabras que aparecen siempre están presentes en el subconsciente de todos nosotros, y son lo que, de alguna manera, somos. La pelea interna que se tiene por el hecho de ser “tan solo” un portero, y no haber logrado lo que se deseaba (Emilio); el íntimo resquemor por ser siempre la chica agraciada, aunque ni muy linda ni muy estimable (Belén); las ansias de mantener la calma ante cualquier circunstancia (Señor Cuesta [Juan Cuesta]); el proceso de intentar alcanzar la madurez y expresar las opiniones de un adolescente (JoseMi); la pareja de homosexuales que, si bien se admiten entrambos, actúan cuidando de mantenerse en los límites de la sociedad (Mauricio [“Mauri”] y Fernando); las señoras que se pasan todo el día inventando historias y contando chismes por doquier (Vicente, Marisa, Concha); la mujer que intenta llevar adelante su familia (Isabel [“La Yerbas”]). En consecuencia, lo que se ve a diario en toda clase de cultura; sea que ésta se encuentre en el ambiente español en el que está basada la serie, o en un país de América. De esta forma, capítulo a capítulo, además de disfrutar con las peculiaridades de los personajes, existe una identificación plena con las vivencias, las características, de los miembros de Desengaño 21. Se visualiza a cada intérprete a modo de desahogo de lo que ocurre en el trabajo, en la vida de hogar; con lo que se puede percibir que, mal que mal, fuera del trampolín humorístico, todo eso es un reflejo de la realidad.<br />La distinción de la serie pasa por el hecho de que recoge un aspecto común y corriente de la existencia, para llevarlo a la pantalla, por medio de demarcaciones logradas y creíbles. Puede ser que en el pasado se haya creado formatos en donde se reúne un grupo de seres con diferentes puntos de vista, y maneras de actuar diversas; sin embargo, en esta ocasión, el trasfondo va dirigido a la sociedad media, la cual, hasta ahora, no había podido ver representados sus conflictos, quehaceres, falencias, y anhelos (en este caso, de la convivencia en los pisos de un edificio, y los deseos de conseguir la casa propia).</span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyTkk0WRcIL5Z1p4yprwyyI6n7h3FQ2LwSBG1pb80kDQLAUUT89UMfgHfPJn8YpUdkyIQ2pVh-0EpkRFeX4xheeitMQ-me03dZXlt1AkZC39ZHQgB43st6sH_QLKSZbaTK9zRccg/s1600-h/2.jpg"><span style="font-size:130%;"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5103965833135219490" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyTkk0WRcIL5Z1p4yprwyyI6n7h3FQ2LwSBG1pb80kDQLAUUT89UMfgHfPJn8YpUdkyIQ2pVh-0EpkRFeX4xheeitMQ-me03dZXlt1AkZC39ZHQgB43st6sH_QLKSZbaTK9zRccg/s320/2.jpg" border="0" /></span></a><span style="font-size:130%;"><br />Miramón Mendi (propiedad mayoritaria de José Luis Moreno), la productora que, junto a los creadores de la serie, Alberto y Laura Caballero (inspiradores en la tira cómica de Francisco Ibáñez, 13, Rue del Percebe), forjaron la idea de exhibirla semana a semana desde 2003 hasta finales de 2006, a través de Antena 3 de Televisión, vio iniciada una carrera en ascenso, la cual concluyó con la compra de las acciones de ésta, en un 15%, por parte de la cadena de televisión Telecinco, y el término de “Aquí no hay quien viva”. Con todo, Antena 3 sigue transmitiendo los capítulos con igual éxito de audiencia (ya que la marca le pertenece). En cuanto al elenco de la desaparecida “sitcom-serie coral”, siguen sus vidas en “La que se Avecina” (de Telecinco, 2007), que también posee un alto nivel de audiencia.<br /><br /><strong>Calificación: 5,7.</strong> </span>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com11tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-65153302970258315732007-08-19T17:39:00.000-07:002008-12-08T17:21:10.383-08:00UNA VERDAD INCÓMODA.-<strong><span style="color:#ff6600;">Título Original: An Inconvenient Truth</span></strong><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAtwA3nVv9Winb7oQn6QeRzU9g1Hd4TVdF28BOZRTy4CL99fhOIZEXFMhmiLJd9SAiqm2bAdIjK2yPYP5c9c6Oducc5uL4epxZmasHsmq_KDbnAoXiXKWstVQuo8BOGH_NDg97MA/s1600-h/1.jpg"><span style="font-size:130%;color:#ff6600;"><strong><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5100576396423247042" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 282px; CURSOR: hand; HEIGHT: 187px" height="198" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAtwA3nVv9Winb7oQn6QeRzU9g1Hd4TVdF28BOZRTy4CL99fhOIZEXFMhmiLJd9SAiqm2bAdIjK2yPYP5c9c6Oducc5uL4epxZmasHsmq_KDbnAoXiXKWstVQuo8BOGH_NDg97MA/s320/1.jpg" width="292" border="0" /></strong></span></a><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Título en Español: Una Verdad Incómoda<br />Director: Davis Guggenheim<br />Productores: Lawrence Bender, Scott Z. Burns, Laurie David, Lesley Chilcott (co-productor)<br />Protagonista: Al Gore<br />Música: Michael Brook<br />Edición: Jay Cassidy, Dan Swietlik<br />Distribución: Paramount Classics<br />Fecha de Realización: 2006-05-24<br />Duración: 94 minutos<br />País: EUA<br />Lenguaje original: Inglés</strong> </span><br /><br /><span style="font-size:130%;">Exponer y desmenuzar los aspectos de una situación que afecta a una parte de una ciudad, tal vez un diminuto villorrio, o una comarca alejada de toda urbanización, de alguna u otra manera, se estima, aunque con una atención que empieza hoy y termina mañana. Cuando se trata de resaltar los desajustes e inconvenientes de una situación que abarca a todo un planeta, las opiniones cambian, y se desarrollan por una larga cantidad de tiempo. El registro del celuloide de uno de aquellos grandes problemas mundiales, por cierto, no puede realizarse con minucias, bosquejos vagos, o interpretaciones que se simplifican en imágenes que se dedican a mostrar, y nada más que eso. Se necesita demostración, pruebas, estudios acabados y una línea escénica que, más allá de captar la sensación del momento, proyecte la idea hacia un futuro.<br />Al Gore nunca ha sido una figura que se dedique a andar con rodeos en sus expresiones; al momento de comprobar que los comicios de 1999 indicaban que su derrota al sillón presidencial era inminente, aceptó el veredicto, y, dicho en términos coloquiales, se fue para la casa con dignidad, sin preguntar más. En esta ocasión, retorna a la escena pública con el tema del momento (por lo menos, que por fin se está tomando en cuenta): el calentamiento global. No se trata de alarmar, de causar pánico, o de reiterar las palabras que se escuchan siempre (por ejemplo, consuma productos que no dañan la capa de ozono, aquellos que dicen “Este producto no daña la capa de ozono”, cuando todos saben que es una falsedad absoluta); se intenta seguir una secuencia lógica que, si bien se centra en la vida del expositor, siempre va resaltando que la labor de recorrer algunas zonas afectadas por el efecto invernadero (Antártica, selva de Centroamérica), sirve para indicar, con dirección, que el fin del documental es impulsar una campaña en pro de la defensa del único sitio que, hasta ahora, se puede habitar con todas las opciones (La Tierra). </span><br /><span style="font-size:130%;">Las discusiones que se han llevado en torno a las consecuencias que puede traer el alza de la acumulación de gases nocivos en la atmósfera (Protocolo de Kioto, etc.), a grandes rasgos, han servido sólo para poner el tema en el tapete, ya que, tal cual se grafica en las estadísticas, y se ejemplifica en las imágenes (del documental), las grandes empresas, y la vida actual impiden que las emisiones de CO2 al ambiente disminuyan. Ante eso, queda preguntarse si estas realizaciones cinematográficas, o cualquier intento por detener la arrolladora máquina de la modernidad, proporcionan alguna solución. Esta claro que, con objetividad, la idea es calar en la mente de la personas, y de los gobiernos, para, con inversiones en las áreas respectivas, se elaboren maneras de utilizar fuentes de energía que contaminen menos, y acaben con la problemática. Energía eólica, energía solar, energía de bio-combustibles, e incluso –si se trabaja con equilibrio– la tan desestimada energía nuclear, son sólo algunas de las diferentes variantes que existen a modo de alternativa de los hidrocarburos. El documental comienza con las primeras fotografías de la Tierra tomadas desde el espacio. Elaborar estrategias basadas en la utilización de las energías propuestas con anterioridad permitirá que la expansión de la luz azul de los mares y lo marrón de los continentes, presentes en esas fotografías, se perpetúen, y jamás se conviertan en una capa gris, que de pie para decir “La tierra ayer; la Tierra hoy”. </span><br /><p><strong><span style="font-size:130%;">Calificación: 5,9.</span></strong></p><br /><br /><embed src="http://www.youtube.com/v/5DD9mas90D0" width="425" height="350" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent"></embed>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-64383232992362249292007-07-19T14:46:00.000-07:002008-12-08T17:21:10.543-08:00AVE FÉNIX<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGnMc9XbFyyE5uYE-FRFwkyDf2OiZ1Hg-_RdHk9Ujrst_nGP_MS3OU4NBiuxrxD2UwOQ8UK9k5lOOTkgNkol1KR5Vc_iZjHmjTlNEkl1Fr1WF0jTMCN3WSHO4gE0ZM5qV0fqaR8A/s1600-h/fenix.gif"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5089031579005303810" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGnMc9XbFyyE5uYE-FRFwkyDf2OiZ1Hg-_RdHk9Ujrst_nGP_MS3OU4NBiuxrxD2UwOQ8UK9k5lOOTkgNkol1KR5Vc_iZjHmjTlNEkl1Fr1WF0jTMCN3WSHO4gE0ZM5qV0fqaR8A/s320/fenix.gif" border="0" /></a><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTBMQDC1R-JSxPSg26lBpv09dezuy2oV8ou-YZ9apSFowt47APyJicdsRg_Yhjnf-MyV-e3DhNOtBoz4YU1MV61XBi6uZ7yLGsz42WHJ4VNQi9h59ZjYyv7h6lPKEZAjN0-8pT6w/s1600-h/3fondos_animados12.gif"></a><br /><br /><div>Quien lea el titulo, y piense que se trate de un nuevo filme, está equivocado. Sólo escribo este post para agradecer a aquellos que, pese a la inexistencia de comentarios de cine durante más de tres meses, siguen enviando una opinión, las cuales he tenido que leer desde otros ordenadores, debido a que estoy sin Internet durante estos días. A decir lo real, sí tengo acceso a la Net; sin embargo, ha llegado a mi domicilio en un momento en que estoy con trabajos universitarios, labores del trabajo, y tareas particulares (solicitudes de revisión de tesis, escritos, etc.). En virtud de todo esto, estaré de regreso a finales de julio, con nuevas entradas, tal cual el Ave Fénix. Por ahora, vayan a ver películas, arrienden o compren DVD's, descarguen filmes de los programas de descargas, etc. VALE.<br /><br />Saludos.<br />Daniel DAC. </div></div>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-20675607692376277282007-03-03T09:00:00.000-08:002008-12-08T17:21:10.685-08:00LOS INFILTRADOS.-<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlxKwwbwLhANZbUd5Yf3jhD1T1xDWnjs82VrY15hM-O1dFXWKFwn9YJDF85t_lvc2FsvUymLgul4te7cWGsAiMEfJFp32zh-4j9MRapNojHB7IV3oCZ72D0RFOgxiMdl2ihB9uPQ/s1600-h/2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5037745437344775458" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 318px; CURSOR: hand; HEIGHT: 201px" height="188" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlxKwwbwLhANZbUd5Yf3jhD1T1xDWnjs82VrY15hM-O1dFXWKFwn9YJDF85t_lvc2FsvUymLgul4te7cWGsAiMEfJFp32zh-4j9MRapNojHB7IV3oCZ72D0RFOgxiMdl2ihB9uPQ/s320/2.jpg" width="320" border="0" /></a>Existen historias de vida que siguen una línea horizontal, sin demasiados cambios, con la idea de ser un profesional, o alguien que pueda llegar a sus últimas horas con la opción de tener dónde estar. Otras historias de vida, en cambio, están predeterminadas para participar de los planes de seres que conocen con exactitud lo que es ganarse el sustento día con día. Esos seres a elegir, al principio, pueden estar en un estado de alejamiento y repugnancia, con respecto a las ideas que vienen a establecer aquellos que ven en éstos la prolongación de sus acciones. Lo concreto es que, a medida que pasa el tiempo, las nociones de lo real y lo falso, lo bueno y lo malo, van adaptándose a las circunstancias que aparecen; y desde ese momento se puede concebir que ninguno de sus pasos estará desligado de las opciones tomadas.<br />Boston es la ciudad escogida para aquel que, ahora con mayor conocimiento, se sume a los requerimientos de lo que, pese a estar en el siglo XXI, todavía sigue viéndose en las calles: el liderazgo de las mafias; y, por consecuencia, las cabezas que comandan dichas bandas. Aquí es cuando surgen las interrogantes que llevan a pensar en los cientos de estrategias que el ser humano es capaz de llevar a la práctica, con el único fin de magnificar sus logros, y mantener la libertad para disponer de lo que desee. Nadie imaginaría que tras un traje de tela, una camisa y una corbata, que, además, pertenecen a una autoridad de la ley y el orden, se oculta el vínculo que, cada minuto, le otorga información de los actos del día, con la idea de estar cumpliendo con la parte del trato; es decir, yo te di de comer, ahora tú me das tranquilidad.<br />Muchas mentes podrían haber organizado una realización de este tipo; hay que aceptar que los filmes de acción, gángsteres y mafia ocupan un sector propio del cine, y que, en general, siguen una secuencia de prototipos, arquetipos y características homogéneas y comparables. La clave que posee esta versión del crimen organizado es la mirada que le otorga, una visión desde cualquier ángulo que se vea, psicológica, ligada con los sentimientos y los compromisos, el sector humano que lleva consigo cualquier decisión que interfiera con los planes del otro; el rompimiento de las funciones competentes a cada personaje (el policía deja de ser alguien creíble y profesional). Aquel foco, el otro factor a destacar, proviene de la experiencia en esta clase de películas: Martin Scorsese. El director nos viene sorprendiendo con sus reproducciones de la realidad contemporánea desde <em>Taxi Driver</em>, más allá del simple hecho de llevar personas a las salas para extasiarse con los sucesos que causan impacto, y escenas que muestran violencia y balas al por mayor. El realizador conoce que los méritos que se pueda llevar la sociedad actual están en el área afectiva, académica, política, y demás; por lo que, a partir de ahí, pone de manifiesto que también en el área de la delincuencia y la lucha por derrotarla existen los mismos hombres y mujeres, sólo que con diferentes metas e ideas de lo que es vivir.<br />Reunir la excelencia en actuación, por su parte, es uno de los puntos que nadie puede obviar. Jack Nicholson, de principio a fin, sigue haciendo pensar que el reconocimiento y las ideas que se tienen de él, en cuanto a su versatilidad profesional, aumentan en cada trabajo que realice. Leonardo DiCaprio y Matt Damon, el primero sobre todo, demuestran que trabajar en ellos con constancia puede otorgar grandes logros; lo que da a entender que sus carreras están en el estado de madurez que todo artista alcanza luego de un período de perfeccionamiento.<br />La aceptación de que esta producción significa un esfuerzo de años por consolidar una postura y una manera de interpretar el devenir actual ya fue reconocido por la Academia. Scorsese lo sabe, y ahora sólo se dispone a que, lejos de cualquier premio, su labor origine mayor exigencia y calidad, en el futuro.<br /><br /><strong>Calificación: 6,2.</strong><br /><br /><embed src="http://www.youtube.com/v/VqKZ8ARPgC4" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" width="425" height="350"></embed><br /><br /><a name="1"></a><a onclick="window.open('http://www.emol.com/especiales/infografias/ennio_morricone/index.htm','movie','toolbar=no,location=no,scrollbars=yes,directories=no,status=no,menubar=no,resizable=no,width=800,height=650');" href="http://criticadoble.blogspot.com/"><b><span style="font-family:Verdana;font-size:85%;">VEA UN ESPECIAL DEL OSCAR HONORÍFICO 2007, ENNIO MORRICONE</span></b></a>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com13tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1172416471755625012007-02-25T07:13:00.000-08:002007-03-03T12:59:48.414-08:00DIAMANTE DE SANGRE.-<a href="http://www.elcine.ws/sitio/images/stories/peliculas/usa/diamantedesangre/diamantedesangrewebotra.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 282px; CURSOR: hand; HEIGHT: 181px" height="173" alt="" src="http://www.elcine.ws/sitio/images/stories/peliculas/usa/diamantedesangre/diamantedesangrewebotra.jpg" width="288" border="0" /></a>África, más allá de ser un continente que sigue en inestabilidad, se ha venido transformando en un asidero de ideas que se catapultan al cine tan sólo de escuchar el argumento de la trama. Los inacabables conflictos que se yerguen en sus naciones, junto con los procesos de hambruna y enfermedades, motivan a mostrar lo que significa estar en carne propia en algunas de sus calles terrosas, o en la amplitud de sus sabanas, y parajes. En este sentido, la búsqueda de preseas de valor, que, en su gran mayoría, sólo se extraen en estas tierras, se ha transformado en una industria que supera el simple hecho de mantener obreros para que extraigan minerales. Las ansias por conseguir algo que sobresale del resto aumenta las posibilidades de conformar grupos de poder –y mafia–, que persisten en conseguir sus objetivos, de la forma que fuere. Es aquí donde el ceño de los directores, sin escatimar en consecuencias, despliegan su potencial, en pos de dar a conocer las acciones de un territorio que, día con día, intenta salir de los abusos que se cometen contra sus habitantes, y sus ideales.<br />Hasta hace algunos años, Sierra Leona formaba parte de la zona escogida para traficar piedras preciosas, y poner al mando de los procesos de excavación a las fuerzas militares del lugar, las cuales estaban, a su vez, lideradas por grupos de facto, muchos de ellos, regidos por políticos del propio país, quienes, por lograr un estatus económico de preferencia, trabajaban en las sombras, a costa de mantener sus escaños de mando. Muchos colaboradores de aquellos políticos lograban establecer lazos de confianza con los gobiernos extranjeros, hasta que se apostaban en puntos clave de la nación, con un aparente obedecimiento a sus superiores, aunque con la idea fija de apoderarse de los botines sólo para ellos, a modo de anhelo personal. Lo palpable es que, a medida que estos personajes, ya sea por su inexperiencia, ya sea por su poca perspicacia, avanzan en su cometido, se ven envueltos en parte de su estrategia, lo que ocasiona, ahora, una persistente lucha por mantener la ética de sus acciones, de tal manera de cumplir con quienes sirven de informantes.<br />Diamante. La palabra se repite en la mente de Danny (Leonardo di Caprio), quien, con maniobras inherentes a las de un estratega, se embarca en la prosecución de apoderarse de uno de los trofeos que sume a los hombres de estos lugares en guerras civiles, matanza, trabajos forzados –con niños de soldados, además–, dolor, y pobreza. Él sabe que con unas cuantas fuentes de información, podrá regresar a Londres con el propósito ya obtenido. El incesante ir y venir de núcleo, el centro de la conquista de la piedra hará que su fortaleza pase a convertirse en una desesperación por manejar las situaciones, aunque estas se tornen de gris oscuro a negro. Edgard Zwick, organizador de la tensión e inseguridad que rondan por el rostro de Danny, conoce que, por más que seguir mostrando las inclemencias africanas sea una tónica de la industria del celuloide, ninguna historia está lejos de ser desarrollada en su total expresión; y, con notoriedad, cuando esto se efectúa con actuaciones logradas, y un argumento que enflaquece sólo en mínimas secciones.<br />Las Naciones Unidas, en conjunto con las naciones involucradas en el conflicto, siguen trabajando para que las escenas mostradas en el filme disminuyan (en enero de 2003, cuarenta naciones firmaron “El Proceso de Kimberley”); además de focalizar proyectos albergados en las raíces de estas explotaciones del vivir humano; es decir, la educación, las salvaguardas de los derechos del hombre, y una política sin corrupción ni incumplimiento de los plazos. Es de esperar que dos horas y trece minutos (de película) contribuyan en que esto se analice y se cumpla.<br /><br /><strong>Calificación:</strong> 5,9.<br /><br /><br /><embed src="http://www.youtube.com/v/_wNnDqV2xsY" width="425" height="350" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent"></embed>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1169388675640122862007-01-21T06:07:00.000-08:002007-03-03T13:00:06.600-08:00BABEL.-<a href="http://www.sigloxxi.com/images/noticias/200612141537-1-babel2.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 283px; CURSOR: hand; HEIGHT: 179px" height="173" alt="" src="http://www.sigloxxi.com/images/noticias/200612141537-1-babel2.jpg" width="288" border="0" /></a>Interesarse por la fragmentación ideológica, y los conflictos que surgen en un mundo cada vez más comunicado al tiempo que separado es el tónico del día a día. Se ve matanza, hambruna, miseria, guerrilla, palabras que salen de la boca sin reflexión, hostigamiento, y demás. La balanza, en muchas ocasiones, se vislumbra hacia el lado de las odiosidades, debido, en su gran mayoría, a que el planeta se está acostumbrando a darle el favor a la frase “el fin justifica los medios”; sobre todo, en medio de conflictos armados (ya se debe recordar lo sucedido tras el 9-11-2001).<br />Dentro de esta premisa, surge lo que la especialidad del cine llama “arte de autor”; la mezcla de ideas, sensaciones y opiniones, que un director despliega en alguna de sus obras. En este caso, Iñárritu rueda Babel con la esperada unificación de sus dos filmes anteriores, los cuales han sido considerados parte de una trilogía, aunque con un lenguaje cinematográfico distinto. Los une y entrelaza, esperando encontrar una perfecta comunión, un entendimiento en este mundo que, según él describe, tanto dolor e incomprensión aúna. Más que por el de los choques culturales, la película discurre por el terreno de las barreras comunicativas en un plano general.<br />Tal cual era de prever, a tenor de lo visto en las otras dos muestras de la trilogía, Arriaga e Iñárritu montan un gran mosaico teñido de tragedia. Dicho mosaico ha tenido una estructura dispar en sus distintas manifestaciones. En <em>Amores Perros</em>, cada una de las unidades temáticas se sucedía una tras otra durante el tiempo de exposición del filme. En <em>21 gramos</em>, las secuencias de cada trama se mezclaban e incluso, para añadir mayor complejidad, lo hacían sin atender a una linealidad temporal. En Babel, se ha optado por inalterar el orden del tiempo, además de utilizar el montaje paralelo para unir los segmentos. La película, en esta ocasión, se separa del pseudo-progresismo en los términos de las relaciones interculturales. Habla de cómo sobreentendemos y prejuzgamos aquello que no conocemos, y que creemos conocer y ofrece, a su vez, sentimientos de miedo, rechazo e ininteligibilidad más sinceros que los de la mayoría de los discursos que intentan mostrar una tranquilidad inalterable.<br />Aunque se pueda hablar de irregularidad y banalidad, es cierto también que la resolución del filme es notable. Cierra las historias con tacto delicado, abusando, si acaso, de la estupenda banda sonora de Santaolalla. Ese sentimiento soterrado que se deja respirar libremente en ese brillante tramo final hace que toda la red de incomprensión que se monta a su alrededor valga la pena.<br />Las figuras del filme, a diferencia de sus anteriores trabajos (el caso de Brad Pitt, por ejemplo), alcanzan una solidez que se deja sentir. Gael García Bernal demuestra otra vez que Iñarritu, más que elegirlo por tradición, conoce dónde puede encontrar carácter y entrega. La fotografía, por su parte, tiene los méritos de un viejo conocido de Inárritu, Rodrigo Prieto, quien expone, con total viveza, lo que el ser humano que forma parte de esas situaciones percibe segundo a segundo en su interior, una inseguridad que se prolonga a cada paso.<br /><br /><strong>Calificación: 5.6.</strong><br /><strong></strong><br /><strong>Trailer de la película.-</strong><br /><br /><object width="425" height="350"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9R0WfYhwATU"></param><param name="wmode" value="transparent"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/9R0WfYhwATU" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" width="425" height="350"></embed></object>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1158335832100251562006-09-15T08:34:00.000-07:002006-12-08T22:19:12.803-08:00VOLVER.<div align="justify"><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/V.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 283px; CURSOR: hand; HEIGHT: 179px" height="173" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/V.jpg" width="288" border="0" /></a>Hay muchos cineastas que, a pesar de lo que su trabajo viene generando desde hace años, comienzan a perder fuerzas con el paso del tiempo, al punto de llegar a producir filmes que quedan siempre en un puesto menor que sus obras anteriores. Varios de ellos son los llamados “directores grandes”, y, casi siempre, son considerados, por las producciones independientes, soberbios y abarcadores de festivales. Dentro de aquel espectro, sin duda, Pedro Almodóvar es uno de los más citados, al tiempo que uno de los más vapuleados y alabados. ¿En dónde recae, en ese caso, el alza en el contenido, en los temas de sus producciones, lo que contraviene la tradición de “mientras más reciente la película tanto peor”? Los motivos son variados, aunque, por lo general, está la elección que todo guionista-productor encausa desde el principio: la trama. Para Almodóvar, los tiempos de las “Mujeres al borde un ataque de nervios” siguen dando que hablar; de todas formas, lo que se necesita en esta época, donde la lucha está lejos de ser o no feminista, ser o no una mujer liberal, es argumento, madurez, e ideas universales, que identifiquen a la mujer de veintitantos años, a la ama de casa, y, de paso, a los hombres que se sienten amparados en sus figuras. La mecha del pensamiento que oculta emociones bien podría haber sido cualquier suceso que afecte al grupo familiar, y que lleve a los personajes a las conversaciones grotescas, y a las vicisitudes que viajan por el universo almodovoriano. Lo cierto es que esta vez el punto a encontrar es aquel que, de alguna u otra forma, inicia inquietudes, explora lo que todos pueden llegar a sentir después de la pérdida de un ser querido; en resumen, ubicar lo que podría ser catalogado por hecho sobrenatural en un contexto de completa normalidad, sin ahondar demasiado en posibles imaginaciones; manejar el lenguaje de los símbolos y de las emociones.<br />Un filme sin valor agregado puede dar pie para el fracaso, de ahí que, en esta ocasión, el cineasta español se haya preocupado de enrolar a figuras femeninas de primera línea. De comienzo –una frase que está en todos los comentarios de este filme–, el reencuentro esperado con Carmen Maura, que, sin duda, actúa de manera notable, lo cual lleva a Almodóvar a conectarse con el espacio más adulto de sus ideas, para exponer algo que hasta ahora había dejado de lado: la experiencia encarnada en una actriz. Penélope Cruz, por su parte, manifiesta con creces que el puesto alcanzado dentro de las estrellas cinematográficas deja de ser marketing y un rostro bonito; en esta oportunidad, el carisma, la versatilidad y la fuerza con que interpreta a una de las hijas del “fantasma que retorna” supera lo que muchos directores querrían obtener de sus colaboradores (en frases del propio Almodóvar, “Es asombrosa, casi sin que uno se dé cuenta, en segundos, pasa de la risa al llanto”). El resto del elenco, desde una experimentada Lola Dueñas hasta una novata Yohana Cobo, aportan el círculo de las obligatorias confesiones, complicidades, que, además de pertenecer a una forma propia de convivir de las personas de zonas semi-rurales, extrapola las situaciones al mundo urbano, donde, de igual forma, las relaciones de familia se realizan con un código particular, que sólo les pertenece a ellas.<br /><br />Dentro de la lista de películas de Almodóvar, sin duda, la que demuestra con total notoriedad el grado de madurez de un director, que, después de haber expuesto temáticas en su mayoría sexuales y de la vida cotidiana, ahora, toma estas ideas, y las vuelve más consistentes, más esenciales.<br /><br /><strong>Calificación: 5,5.</strong><br /><br /><a name="1"></a><a onclick="window.open('http://www.youtube.com/v/XfrtE8wFCZI','movie','toolbar=no,location=no,scrollbars=yes,directories=no,status=no,menubar=no,resizable=no,width=425,height=350');" href="http://criticadoble.blogspot.com/"><b><span style="font-family:Verdana;font-size:130%;color:#ff0000;">Ver Trailer YouTube</span></b></a></div>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com11tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1156861197889648912006-08-29T07:04:00.002-07:002006-09-03T20:28:24.203-07:00HIERRO 3.<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Hierro%203.0.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; WIDTH: 243px; CURSOR: pointer; HEIGHT: 163px" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Hierro%203.0.jpg" border="0" /></a><span lang="ES-CL">Hablar está de más; aunque se necesite expresar la más profunda sensación, hablar está de más. La frase parece tajante, e incluso innecesaria, lo cierto es que este filme, en vez de incentivar a que se añadan mayores espacios de diálogo, pone de manifiesto un lenguaje de emociones, sensaciones, gestos, que, a medida que va avanzando, que se va desarrollando, es capaz de hacer notar que existen vidas que están amoldadas a expresarse a través de parámetros distintos, quizá difíciles de dilucidar de una sola vez. Conseguir esto sin duda que nunca ha sido fácil; las películas mudas siguen conservando su gloria gracias a que se comprende que están circunscritas en un ámbito particular; acá, en cambio, estamos ante una producción que data de hace cerca de dos años, que se incorpora a un mundo que exige rapidez, fuerza, dramatismo, acción, velocidad, potencia, y, por sobre todo, historias alejadas del romanticismo de la década de <?xml:namespace prefix = st1 /><st1:metricconverter st="on" productid="1950. A">1950. A</st1:metricconverter> la hora de sacar cuentas, por tanto, la parte del elogio que le corresponde a esta película, es que con elementos sencillos, que incluso, según su propio director, se podían grabar en un día cualquiera, con o sin la disposición de los actores, traspasa la barrera de una producción de mediana envergadura, para ser considerada certera, que da en el clavo; con mayor precisión, que viene a equilibrar, a poner en claro, que la tranquilidad –características de los relatos asiáticos– expresa lo que se está buscando, ante el bullicio del mundo externo.<?xml:namespace prefix = o /><o:p></o:p></span> <p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-CL"><span style="font-size:+0;"></span>Las vidas que se cruzan de la nada es un tema de análisis que viene dándose en el cine casi desde sus orígenes. El punto que pone la demarcación entre los otros filmes y este es la manera en que dos seres pueden alcanzar tal grado de complicidad, hasta convertirse en una especie de prolongación de una de las partes. Pone en la mesa de conversación el hecho de saber cuan alta es la desmotivación, la indiferencia, el grado de abandono que existe en nuestras sociedades. La paradoja se deja ver desde el principio: Tae-suk es un joven que acostumbra a vagar en moto por las calles, casi abandonado, solitario, desprovisto de un techo propio; mientras, Sun-hwa permanece en una casa con todas las comodidades, aunque carente de fuerzas de voluntad para sentirse acompañada, acogida en su propio hogar. Polos que parecen opuestos, y que, al final, tienen muchas cuestiones en común, confluyen, se dejan llevar por los impulsos, escuchan los sonidos del silencio, y escapan a un mundo que sólo les pertenece a ellos. Escenas muy cercanas a la fascinante “Primavera, Verano, Otoño, Invierno y de nuevo Primavera” (2003), con la que Ki-Duk Kim supo encantar a los espectadores de Occidente, a partir de lo que pocos cineastas exploran: el día a día, las costumbres, lo que pasa en la mañana y termina en la tarde; que incluso sirve para plantear temáticas con otra connotación.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-CL">Actuaciones brillantes. Una banda sonora sobresaliente. Una película demasiado recomendable.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-CL"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><b><span lang="ES-CL">Calificación: 6.0. </span></b><span lang="ES-CL"><span style="font-size:+0;"></span></span><br /></p><br /><br /><a name="1"></a><A onclick="window.open('http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/Frases/Frases.htm','Frases','toolbar=no,location=no,scrollbars=yes,directories=no,status=no,menubar=no,resizable=no,width=400,height=400');"href="http://criticadoble.blogspot.com/"><b><font face="Verdana" size="2">Ver Frases del Director</font></b></a><br /><br /><a name="1"></a><A onclick="window.open('http://www.youtube.com/v/7cdYAzTqCn4','movie','toolbar=no,location=no,scrollbars=yes,directories=no,status=no,menubar=no,resizable=no,width=425,height=350');"href=" http://criticadoble.blogspot.com/"><b><font face="Verdana" size="2">Ver Trailer YouTube</font></b></a>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1151868620963566352006-07-02T12:28:00.000-07:002006-07-02T17:48:59.160-07:00TODO ESTÁ ILUMINADO.<h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span></marquee><br /><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Todo.1.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" height="216" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Todo.1.jpg" width="328" border="0" /></a>Muchas personas piensan que un actor, después de interpretar un mismo personaje en varias películas, es incapaz de desencasillarse de éste, por lo que sus siguientes actuaciones son un fiasco. Para Liev Schreiber, ese augurio pasa de ser un simple comentario, a la hora de fichar a Elijah Wood, el reconocido Frodo de “The Lord of the Rings”, como protagonista de una historia que, lejos de seguir en la línea del desconsuelo infinito (el caso, de “The Pianist”, por ejemplo), varía en esta situación, en la esperanza de lograr el objetivo, en el desarrollo personal; la madurez.<br />Una II Segunda Guerra Mundial que está contada en cientos de filmes puede parecer un enganche básico, una propuesta sin tanta novedad; las adversidades, los lamentos, los sonidos de cañón, las muertes por doquier, terminan cansando más temprano que tarde. El punto donde recae la diferencia de este filme con los demás (de su tipo) es que motiva a desentrañar una búsqueda que toma a modo de puntapié inicial los sucesos de ese período, ya que, en el corolario, se puede percibir que el guionista (y el autor, la película proviene de la novela homónima) intenta mostrar un enfoque de apertura mental, introspección, descubrimiento de lo que somos y queremos ser. Hoy se puede estar buscando a la mujer que salvó a un anciano (el abuelo del protagonista); mañana se tiene la sensación de que esa mujer es quien está enseñando a resolver los problemas internos, los atavismos, el desorden, las carencias, defectos.<br />Existe otro punto vital que aparece en esta secuencia de imágenes interpoladas: la mirada de las nuevas generaciones con respecto a lo que significa el conflicto de la Segunda Guerra. Es aquí donde el autor elige con brillantez el hilo conductor de la trama (el protagonista, Jonathan Safran Foer), debido a que es un judío que podría tener un gran recelo por todo lo que conlleva regresar a un sitio en el que sus raíces fueron despojadas de los beneficios; o, si se considera el tiempo transcurrido, en la persecución de un afán que podría tener pocos resultados, lo cual se ve en las dificultades que se van presentando. Ya a partir del título se aprecia que el camino, en gran medida, “está iluminado” por una especie de necesidad histórica de demostrar que las rencillas anteriores pueden verse subsanadas, con o sin el imperativo de mostrar dolor extremo, mas bien incertidumbre y duda.<br />Utilizar una Ucrania renovada, que empieza a olvidar poco a poco su pasado hostil; junto con la utilización de ambientes campesinos (fotografía), construcciones de antiquísimo valor; es el agregado que, sumado a una banda sonora que estremece; da pie para mirar con otros ojos lo que se viene contando, de diferentes maneras, desde la segunda mitad del siglo XX, en el cine y todo tipo de expresiones artísticas. Lo otro, que ya se señaló en parte, es la interpretación de Wood. Al joven actor todavía le falta demasiado por aprender en cuanto al desenvolvimiento y cariz cinematográficos; de todas formas, acá está ad portas de separarse de sus anteriores participaciones, para proyectarse en el perfil de un profesional creíble, con conocimiento de lo debe hacer, de dejar con una impresión favorable al público, que, al final, es quien levanta o baja el dedo pulgar.<br /><br /><strong>Calificación: 5,5.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com17tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1151293609264534662006-06-25T20:37:00.000-07:002006-06-25T23:09:57.010-07:00EL CÓDIGO DA VINCI.<h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span></marquee><br /><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/12.1.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" height="198" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/12.1.jpg" width="287" border="0" /></a><br />Marketing, el marketing que atrapa hasta al lector más esquivo. Así se suele relacionar las creaciones que utilizan sucesos todavía cuestionables. Hay que apegarse a las reglamentaciones, dimes, diretes, y aceptar que el libro de Brown ocupa varios recursos que atraen la mirada de los lectores por el simple hecho de que abarca un tema que causa dudas, curiosidad, ganas de mirar de reojo al tiempo que se dice “algo debe tener esto para atraer a tanto público”. Puede ser falso que el Opus Dei oculte información ligada con la vida de uno de los personajes que, religioso, ateo, agnóstico, lo que fuere quien escuche el nombre de Jesucristo, marca la pauta después de su aparición en la Tierra. Es aquí donde aparece el arrojo del autor: poner en el ambiente el debate de cuán humano puede llegar a ser alguien que al mismo tiempo es divino; hurgar en lo que nadie quiere meterse. ¿Para qué?, ¿por qué?, ¿quién es este señor, que, al parecer, se agarra de las creencias de un pintor para posicionar una verdad?; otro punto más que causa urticaria en el libro y en el filme, el establecimiento de lo que es real, de lo que es ficticio. Quienes están involucrados en la búsqueda de una de las leyendas más conocidas para el mundo del Cristianismo, El Santo Grial, demuestran los puntos de vista que aparecen durante una parte de la historia, y los que se dejan ver en otra. ¿Es la Iglesia una entidad manipulada por el error cometido por el Hijo del Hombre?; ¿están conscientes los protagonistas de que, aunque sea por algunos minutos, el peso de la historia se deja sentir en sus mentes, manos?; ¿los símbolos que se suceden unos con otros aparecen por efecto de planes superiores o sólo es parte de la imaginación de un grupo de personas? Nadie se atreve a estar de un favor o de otro hasta que ve lo que sucede en el siguiente capítulo, en la siguiente secuencia cinematográfica.<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14" direction="right"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/DaVinci.1.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/DaVinci.1.jpg" border="0" /></a></ul></span></marquee><br /><br />Es cierto que el libro, en varias secciones, alarga demasiado las conversaciones, ahonda en temas ya citados, y sólo toma el ritmo del principio al final de la narración, lo que deja un vacío en la trama, lo más interesante para muchos autores; de todas formas, el conjunto, reunir trozos reales de la humanidad con supuestos, algo que también aparece cuestionado en otras obras que cuentan la vida de Cristo a partir de escritos considerados difamadores (“El Caballo de Troya”, de J. J. Benítez, por ejemplo), supera esa valla, y se posiciona.<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/DaVinci1.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/DaVinci1.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />La película, por su parte, con actuaciones bastante elaboradas, sobre todo de un ya maduro Tom Hanks (Robert Langdom); cuadros que equilibran la fotografía, los primeros planos y la velocidad de las acciones; y un gran guión adaptado; aplaca gran parte de lo que el papel deja al olvido, tal cual todo filme; es decir, la acción, la sensación de estar ante una investigación que nos involucra, que pone en claro que el suspenso mezclado de ficción todavía tiene sus méritos. Brown, quien asesoró en gran medida a Howard (<em>Una Mente Brillante</em>), expresa que está en cada uno creer lo que se refleja en cada parte del texto ahora llevado al celuloide. Lo que causa reflexión es pensar que, más allá del tema religioso, tal vez al frente de nuestros ojos, lo que se nos viene diciendo, expresando desde siempre puede ser una conflagración, un arquetipo, una construcción ficticia; o algo que nosotros sabemos que es falso, y que, simplemente, nos negamos a reconocer, porque sabemos que tampoco conviene aceptarlo. Nuestro propio Código Da Vinci.<br /><br /><br />¿Sólo es marketing?; ¿es más que eso? La sección de comentarios está disponible para que discutamos estas preguntas.<br /><br /><strong>Calificación: 5,9.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1145070345039840302006-04-14T19:49:00.000-07:002006-05-18T19:24:02.663-07:00FUGA.<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Fuga1.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 245px; CURSOR: hand; HEIGHT: 219px" height="220" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Fuga1.jpg" width="307" border="0" /></a>Llamar la atención del público con una historia basada en la locura, el desarraigo y la muerte, es, en el cine actual, un punto de partida que a más de algún guionista le puede parecer un retorno al convencionalismo de las tramas; a lo que siempre aparece en las películas. Si a eso se suma la utilización de un aspecto que pasa desapercibido para algunos; es decir, la banda sonora, la dificultad de realizar el filme, y encantar con este; valdría la pena preguntarse hasta qué sección puede ser rentable el proyecto. Lo que destruye cualquier pensamiento de este tipo está a la luz de las escenas que Larraín, un director novato al tiempo que estimable, deja apreciar en cada minuto que transcurre su ópera prima. La estructura psicológica de los personajes parece acoplarse a la vida del protagonista, a modo de segundas facetas que éste, después de incorporar su frustración y desequilibrio, intenta exteriorizar por medio de la explosión de los sentimientos, el encuentro con su etapa de madurez; la fotografía, unida con las tomas de cámara aérea y de plano inclinado, demuestran lo importante que es fijarse en los detalles que den la apariencia de estar viendo una obra artística que se efectúe con rigurosidad, donde se entienda de una vez que, pese a ser una película estrenada hasta ahora en Chile, el tema, las facciones, las actitudes, tienen la suficiente validez para considerarlos parte de la novedad, de algo que podría haberse visto en “Amadeus”, “Una mente brillante”, y que, de todas formas, conserva el estado de creación pura.<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14" direction="right"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/Fuga.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/Fuga.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />¿Puede el ser humano llegar a trastornarse por una melodía que aparece durante el asesinato de un familiar? Las adaptaciones, cambios, gesticulaciones, que acaecen en el transcurso de la existencia del hombre, llenas de dificultades, problemas e inconsecuencias, es la respuesta afirmativa de la pregunta, junto con ser el pilar que, como fuere, con o son música clásica, dan bases para considerar a las manifestaciones fílmicas que ahondan la desesperación. Ésta, en particular, está esquematizada en un trasfondo que da para muchas interpretaciones –que es exagerada, que utiliza demasiada ficción–, y, dentro de todo, pone en tela de juicio lo que significa ampararse en el individualismo, los temores y las creencias de que los sucesos inconclusos aparecerán a cada segundo.<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/Fuga111.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/Fuga111.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />El significado de la palabra “fuga”, una composición elaborada desde melodías anteriores, supera esa definición, hasta transformarse en la expresividad, la potencia que un violín, un piano, o una flauta travesera expresan a través de las notas; que es el único escape de quienes cargan con imágenes ensangrentadas, bañadas en un rojo que se aviva en cada movimiento musical. Vicuña, desde la exigencia de Larraín, entiende cuál es el paradero de los actos que el personaje frustrado debe saber demostrar. Hay líneas del guión donde disminuye la carga emocional que exige mantenerse a resguardo de las palabras externas –que hacen daño, que nunca serán iguales a la maravilla de una pentagrama con acordes de alta calidad–, es cierto; lo claro es que la demostración visual, el cansancio, la aflicción, hacen que el espectador se quede con deseos de criticar más bien la débil interpretación de los otros actores, lo que, si se desecha, entrega a la realización lo que tiene que esgrimir: vigor en quien identifica el principio, el fin, de las mentes que miran con ojos de preocupación.<br /><br /><strong>Calificación: 6.0.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com29tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1142197857243030342006-03-12T13:06:00.000-08:002006-03-13T22:24:10.890-08:00BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE.<a href="http://www.cinematical.com/images/2005/10/goodnightandgoodluck04.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 270px; CURSOR: hand; HEIGHT: 165px" height="167" alt="" src="http://www.cinematical.com/images/2005/10/goodnightandgoodluck04.jpg" border="0" /></a>Podemos llegar a cientos de hogares por medio de la palabra. Podemos llegar a cientos de hogares a través de noticias que causen reflexión. Podemos llegar a cientos de hogares y conformarnos con eso. Lo cierto es que un periodista encargado de presentar las informaciones del día, un PERIODISTA, por cierto, nunca desestima comprometerse con ciertas causas, al percibir que la estabilidad, la suya propia y la de sus compatriotas, se ve amenazada a cada minuto. Ahí recae el punto clave en el cual George Clooney extrae una parte de la historia de los EUA, muestra un mundo –la TV– que, en determinadas ocasiones es considerado superficial, con el objetivo de equilibrar la pugna entre el comunismo y el laborismo. Está claro que el filme, desde que se inicia, sugiere la típica línea de “los hombres buenos” y “los hombres malos”; la figura de Joseph McCarthy se perfila a modo de político confabulador, que llega al Gobierno para servirse, causar estragos, aprovecharse de sus facultades y armar una red de espías alternativos a la FBI, que, a medida que avanzan los años, se va acrecentando, al borde de lo que se denomina “Cacería de Brujas” anticomunista. Ante esto cabe preguntarse, ¿de dónde proviene el hecho de que un trabajador de una cadena de televisión se ponga al frente de las acusaciones contra el citado senador? Lo primero, ya está dicho, Edward R. Murrow es un profesional que conoce lo que se debe hacer cuando alguien trata de inculparlo en hechos ajenos a él; es decir, seguir utilizando una plataforma que remece las mentes de los conciudadanos, de modo que, más temprano, más tarde, los cuestionamientos se vuelquen a investigar las sombras que están detrás. El productor Fred Friendly, y Joe Wershba, desde las salas de redacción de la CBS, siguen paso a paso lo que para ellos es un compromiso con su labor, en un tiempo donde los periodistas se forman a pulso, sin cátedras ni doctorados, algo que aumenta el propósito por encontrar el origen, el centro de las acciones que rompen la libertad de expresión, el derecho a tener un pensamiento comunista, o el que fuere. A partir de esto, el hecho de no apuntar con el dedo a las filosofías de carácter político, y más bien al personaje y el grupo de poder comandado por McCarthy, es lo que delinea la paridad magistral del filme. Es cierto, hay “buenos”, hay “malos”, como se señaló; de todos modos, aquello se reserva al sector de las diferencias, sin encaminarse al moralismo extremo (pese a que se está en plena década de 1950, donde aún perdura el conservadurismo).<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/GoodNight.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/1024/GoodNight.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />La utilización del blanco y negro (un aspecto que, en palabras del director, persigue el apego por la estética del cine) entrega el realce de los tonos, los contrastes y las expresiones faciales y motrices; una técnica que, aplicada con diligencia, deja al espectador con la idea de estar siguiendo una película efectuada en tiempo real, con encarnaciones (David Strathairn), que sobresalen de las líneas de un guión, que es el mayor logro de un ya maduro Clooney. En pocas palabras, un filme que expone lo que tiene que mostrar; con frases que llegan, carácter, solidez.<br /><br /><strong>Calificación: 6.0.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com18tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1140544641977934852006-02-21T09:50:00.000-08:002006-02-21T22:32:58.676-08:00CAPOTE.<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/capote-3.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 265px; CURSOR: hand; HEIGHT: 184px" height="184" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/capote-3.jpg" width="303" border="0" /></a>Existe un punto que los escritores actuales prefieren pasar por alto en medio de un mundo donde, con una simple mirada a una página Web, se puede conocer lo que pasa al otro lado del planeta, incluso, mejor que quienes viven en ese lugar: ser partícipe, seguir por pasos, lo que sucede en la obra a contar. La década de 1950 es diferente, por cierto; es la época en la que todavía perdura el desconocimiento de las cosas, y la relevancia de un suceso cruza las sensaciones para pasar a convertirse en el primer, segundo y tercer interés de la vida. Truman Capote es uno de aquellos autores que empieza a adquirir madurez por medio de lo que varios novelistas han sabido utilizar a modo de plataforma de best seller: los casos policiales sin resolver; las tramas reales que, a medida que se avanza en la historia, toman fuerza de relato de ficción. El filme tiene más de un sentido; muestra el seguimiento de los asesinos de la familia Clutter, en Kansas; ahonda en la vida del artista; enseña lo que la sociedad de esa época tenía considerado por “extraño”; analiza las psicologías; y, lo primordial, encausa el guión en el trabajo exhaustivo, en la génesis que significa establecer cuáles son las secciones que irán, que se dejarán, en una creación. Todo puede estar dispuesto para condicionar el esquema de un libro; el reconocimiento público, las amistades, el estatus; de todas formas, las convenciones sociales traspasan la mente de tres polos que se van resquebrajando, abriendo a lo que saben que en cualquier parte, donde fueren, será el pretexto para desvalorizar su trabajo (el supuesto amaneramiento de Capote; la marca de inculpados, en los también supuestos asesinos). Aquí radica la cuota de expresividad sin comparación que se percibe de la mano de un Bennet Miller que ya dejó hace bastante rato de ser un profesional que se contenta con los documentales (<em>The</em> <em>Cruise</em> [1998], por ejemplo), y que, con un dominio de las situaciones, una cámara que refleja el temple y la decisión de los actores, un manejo de los planos que nunca deja con deseos de ver más (o sentir que algo estuvo poco explorado), planos completos y cámaras en movimiento apoyadas en secciones angulares de la pantalla, conversaciones sin palabras de más, velocidad y lentitud (el equilibrio que debe tener cada película), y una elección de protagonista (Philip Seymour Hoffman) que, fuera de cualquier halago, aumenta el placer por volver a destacar las imágenes centrales de la cinematografía.<br /><br /><p></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><ul><br /><a href="http://us.movies1.yimg.com/movies.yahoo.com/images/hv/photo/movie_pix/sony_pictures_classics/capote/_group_photos/catherine_keener6.jpg" target="_blank"><img src="http://us.movies1.yimg.com/movies.yahoo.com/images/hv/photo/movie_pix/sony_pictures_classics/capote/_group_photos/catherine_keener6.jpg" border="0" /></a><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/240/capotephoto1.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/240/capotephoto1.jpg" border="0" /></a><a href="http://www.moviecitynews.com/festivals/toronto_2005/images/capote_300.gif" target="_blank"><img src="http://www.moviecitynews.com/festivals/toronto_2005/images/capote_300.gif" border="0" /></a><a href="http://www.wildaboutmovies.com/images/Capote_000.jpg" target="_blank"><img src="http://www.wildaboutmovies.com/images/Capote_000.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />“<em>A Sangre Fría</em>”, el inicio de una carrera que cada día iba en aumento, es la consecuencia del período donde el hombre alabado por unos, celebrado por otros (como en todo), debido a las publicaciones en donde habla de manera abierta sobre la homosexualidad (<em>Otras voces, otros ámbitos</em> [1948]); además de sus extravagancias; es el reflejo de lo que la constancia, la persistencia traen consigo: conflictos internos, demostraciones de que el color rosa del mundo empieza a tornarse en gris, reflexiones, cambios de ánimo, criterio y compromiso por lo que se realiza. El desarrollo de una non-fiction-novel que se convierte en el parámetro para el periodismo investigativo, la expansión de la literatura, y el conocimiento, la exploración, de lo que Capote (“Las personas siempre creen que saben todo sobre mí, por mi forma de hablar”), de manera solapada, busca: ser considerado tal cual es, sin interpretaciones secundarias; además de ver plasmada su labor.<br /><br />Actuaciones que se ajustan a la frase “Es eso lo que necesita el cine; carácter, fuerza”.<br />Una banda sonora que demuestra lo que puede hacer una orquesta dirigida con maestría.<br />Un director, unos actores, una película, que merecen las nominaciones a premios que poseen.<br /><br /><strong>Calificación: 6,4.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1139677885312528662006-02-11T08:48:00.000-08:002006-02-21T10:28:24.156-08:00BROKEBACK MOUNTAIN.<h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span></marquee><p><span style="color:#ff0000;"><strong>Título Original:</strong></span> <span style="color:#ff6600;"><strong>Brokeback Mountain</strong></span><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Títulos Alternativos:</strong></span> <strong><span style="color:#ff6600;">Secreto en la Montaña, <a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/brokeback.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 280px; CURSOR: hand; HEIGHT: 171px" height="171" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/brokeback.jpg" width="283" border="0" /></a><br />En Terreno Vedado.<br /></span><span style="color:#ff0000;">Año:</span></strong> <strong><span style="color:#ff6600;">2005<br /></span><span style="color:#ff0000;">Director:</span></strong> <strong><span style="color:#ff6600;">Ang Lee<br /></span><span style="color:#ff0000;">Guión:</span></strong> <strong><span style="color:#ff0000;"><span style="color:#ff6600;">Larry McMurtry, Diana Ossana.</span><br /></span><span style="color:#ff0000;">Basado en el libro de Edna Annie Proulx (1998).</span></strong><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Banda Sonora:</strong></span> <span style="color:#ff6600;"><strong>Gustavo Santaolalla</strong></span><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Fotografía:</span></strong> <span style="color:#ff6600;"><strong>Rodrigo Prieto</strong></span><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Reparto:</span></strong> <strong><span style="color:#ff6600;">Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway, Michelle Williams, Randy Quaid, Linda Cardellini, Anna Faris, Scott Michael Campbell.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Productora:</span></strong> <span style="color:#ff6600;"><strong>RKO/ Mercury Theatre ProductionsParamount Pictures/Focus Features /Good Machine/Alberta Filmworks.</strong></span><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Duración:</span></strong> <span style="color:#ff6600;"><strong>134 min.</strong></span> <strong><span style="color:#ff0000;">País:</span></strong> <span style="color:#ff6600;"><strong>EUA.</strong></span></p><p>Irrumpir donde nadie lo espera. La frase puede sonar a esquema hecho, a quinta pata del gato; de todas formas, el mundo que ha visto Edna Annie Proulx permite mostrar identidades que traspasan una simple mirada en un sector acostumbrado al vínculo con la fuerza y el temple. Se supone que el ser humano está afecto a percibir sensaciones en cualquier sitio, viva en Santiago de Chile o en el elegido oeste norteamericano. Ahí radica la novedad que esta novela deja entrever: está lejos de ser una historia romántica; al contrario, muestra las bases creadas por la sociedad, por lo que debiera realizar “todo ser humano” (en este caso, todo “hombre hecho y derecho”) al tiempo de hacer énfasis en los actos alternativos. Si esto sucede, es evidente que las preguntas llenas de por qué “¿Por qué atrae tanto?; ¿por qué deja una sensación de estar ante un relato distinto, pese a tener en la mente que es otra historia más de conflictos internos?”, aparecen. Las respuestas tienen variantes. En primer término, y sobre todo para quienes pasan por sucesos parecidos, se trata de graficar una problemática que supera el hecho de ser homosexual. Por cierto que ésta es la plataforma para exponer lo que sucede con dos vaqueros, que, tras cuatro años de estar separados, formar sus familias, tener hijos, siguen percibiendo lo que durante su juventud se veía a modo de futuro promisorio, eterno; lo cierto, lo segundo, es que acá es el tema del gay, de las personas abandonadas, de los mendigos, de los seres acabados por una ruina económica, de los hijos adoptados. Proulx es una autora que desde siempre ha deseado reflejar las acciones de la sociedad actual a través de muestras de este tipo; <em>The Shipping News</em> (1993), y la posterior recopilación de esta obra, desarrollada en <em>Close Range: Wyoming Stories</em> (1999) permiten otorgarle un puesto de renombre, dentro de la literatura de la segunda parte del siglo XX. Con este libro, las consideraciones toman un cariz aún mayor.<br /><br /></p><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="14"><span style="font-size:85%;color:red;"><br /><br /><br /><ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/mount5.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/mount5.jpg" border="0" /></a><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/brokeback_mountain_xl_01.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/brokeback_mountain_xl_01.jpg" border="0" /></a><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/brokeback1.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/brokeback1.jpg" border="0" /></a><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/apermountain.jpg" target="_blank"><img src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/250/apermountain.jpg" border="0" /></a><br /></ul></span></marquee><br /><br />Las razones que llevan a Ang Lee a tomar la decisión de mostrar en el cine algo que se viene efectuando en series de televisión (Queers as Folk, por ejemplo) están ligadas con evadir esas consideraciones, y exponer carácter, temática actual. El director de “Tigre y Dragón” reconoce que la literatura va diez pasos adelante en cuanto a la realización cinematográfica; desde finales del siglo XIX que autores de la talla de Oscar Wilde y Lord Byron vienen escribiendo atisbos de lo que el mundo homosexual significa; pese a eso, en ningún escrito, ni siquiera en el de la propia autora Proulx, se puede representar, en directo, lo que dos hombres sienten para con sí mismos, sus parejas, su entorno. La psicología de los personajes, de los actores –encarnados de manera excepcional por Heath Ledger y Jake Gyllenhaal–, corresponde con la vivificación esperada por el celuloide. Emoción, recelo, descubrimiento, erotismo, coraje. Todo es entregado al espectador a manera de cuestiones que deben pasar; sin segundos análisis, sin pensar en las secciones prohibidas (por las convenciones sociales), sin quedarse demasiado tiempo en un mismo pasaje del filme. Lee transporta la inminente limitación de ver la obra como un juego de niños que, al sentirse solos, conciben la idea de entablar una relación, para, por medio del ambiente desolado y dificultoso de la Brokeback Mountain, dejar en claro que el hombre rudo también tiene un lado opuesto, que los polos de la mente tornan al punto que se había quedado atrás, regresan y viceversa. El devenir común trasformado en cuestionamientos que se deben aceptar; sólo eso. La fotografía, por otro lado, es la clave que Lee está acostumbrado a mostrar, con la marcada influencia del cine asiático, en donde el espacio físico posee, en varias ocasiones, una prevalecía comparable al del guión, el cual, en este caso, ingresa a la categoría de adaptación brillantemente lograda. En sí, una película que trae consigo un “Hay que verla sin prejuicios, para después comentar”.<br /><br /><strong>Calificación: 6,3.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com24tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1137260009176480162006-01-14T09:22:00.000-08:002006-02-11T11:13:47.786-08:00EL CIUDADANO KANE<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/04.gif"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/04.gif" border="0" /></a><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Título Original: Citizen Kane<br />Año: 1941<br />Director: Orson Welles<br />Guión: Orson Welles & Herman J. Makiewicz<br />Banda Sonora: Bernard Herrmann<br />Fotografía: Gregg Toland (B&W)<br />Reparto: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd<br />Productora: RKO / Mercury Theatre Productions<br />Género: Drama. Periodismo (Premio Oscar: Mejor guión original)<br />Duración: 119 min. País: EUA.</strong></span><br /><br />Rosebud y Orson Welles son palabras que resuenan con potencia en las mentes de los actuales directores de cine. Ninguno de ellos puede darse el lujo de pasar por una escuela, o pretender realizar una historia que cautive sin fijarse en el filme que quebranta las nociones básicas de los planos, las imágenes superpuestas y la fotografía estructurada. ¿De dónde provienen todas estas alabanzas para una película que pertenece a la desaparecida realización en blanco y negro; que tiene un guión bastante similar al de un típico relato policial? La respuesta aparece desde el principio, por medio de la magistral puesta en escena de una banda sonora que potencia la orquesta de esa época, donde las estructuras de la composición pasan por el proceso del impresionismo para llegar al modernismo puro (con Debussy y Messiean como máximos representantes). De todos modos, los que gustamos de analizar una película lo sabemos, la parte esencial está en la estructura del guión, además de la representación potente de los personajes. Aquí, Welles conoce que un público más o menos hastiado de ver películas de amor, tristeza o desencuentros necesita percibir algo que lo conecte con la intriga, el misterio, al tiempo que aprecia un existir agitado por los sucesos actuales, reales, de carácter. Charles Foster Kane tiene mucho de donde sacar partido. Es uno de los últimos grandes millonarios que los EUA ha conocido de manera cercana, ahora que los medios de comunicación toman mayor fuerza. El diario que maneja desde hace años lo tiene catapultado a la fama y reconocimiento de todo el gremio; despierta dudas, temores, envidia; en vez de ser considerado un simple director que tomó las riendas de un periódico que parecía anticuado, es considerado un ente de pensamiento, que da claridad al pueblo, debido a la forma en que elabora las noticias, los titulares. Cada escena mostrada aquí lleva a la novedad que trae consigo el filme: la utilización, por primera vez, del flash-back, conocido, en la literatura, desde “En busca del tiempo perdido”, de Proust, pero jamás mostrado en el celuloide. ¿La razón de esto? Lo que aparece después del citado inicio orquestado: la muerte del acaudalado Kane, quien, a medida que forja su imperio, va creciendo, madura, pasa sus ideales periodísticos al mundo político, acrecienta su valor de líder de opinión, y, por cierto, el motivo que desencadena saber cuál es el origen de Rosebund (última palabra pronunciada al morir), aumenta la posibilidad de tener cientos de enemigos, de posibles asesinos. Para algunos, puede ser un grosero que luce a viva voz sus dólares y posesiones; para otros, es un ser persistente, que siempre desea salirse con la suya, y, que, de igual manera, lo hace por consolidar una idea. Las psicologías van apareciendo unas con otras; los enredos amorosos parecen estar fusionados a la naturalidad del protagonista; las impresiones de los hechos tienen puntos de vista diferentes. En sí, lo que Welles ha querido representar desde siempre: una ficción que cale en las mentes de los espectadores sin que al final del cuento se crea que sólo es una invención más. La profundidad de campo (proveniente del realismo poético de franceses como Jean Renoir); las fotografías en claroscuro y juegos de iluminación (herencia del expresionismo alemán de principios del siglo); las escenografías techadas (nada común para la época); el notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings; los recursos utilizados al estilo del periodismo; el posicionamiento de la visión directiva y de producción; lo avalan. El resto, el desentrañamiento de la desaparición de Kane, queda a modo de reflexión de la omnipresencia de la subjetividad del ser humano.<br /><br />Es real, es tremendo. El pilar del legado de Welles.<br /><br /><strong>Calificación: 6.9.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1136232521331331082006-01-02T12:06:00.000-08:002006-01-02T12:47:03.276-08:00UNA MENTE BRILLANTE<marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span></marquee><br /><a href="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/350/ABeautifulMind1.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 195px; CURSOR: hand; HEIGHT: 330px" height="350" alt="" src="http://photos1.blogger.com/hello/28/9022/350/ABeautifulMind1.jpg" border="0" /></a><span style="color:#ff6600;"><strong>Título Original: A Beuatiful Mind<br />Título Alternativo: Una Mente Maravillosa<br />Director: Ron Howard<br />Guión: Akiva Goldsman. Basado en el libro de Sylvia Nasar.<br />Banda Sonora: James Horner<br />Fotografía: Roger Deakins<br />Reparto: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ed Harris, Paul Bettany, Adam Goldberg, Christopher Plummer, Judd Hirsch, Josh Lucas, Anthony Rapp.<br />Duración: 130 min.<br />Año: 2001<br />Productora: Dreamworks / Universal Pictures / Imagine Entertainment.</strong></span><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>País: EUA.</strong></span><br /><br />Van a premiar a un loco; sólo cumplo con avisarles. Así responde un anciano John Forbes Nash a uno de los académicos que intenta conocer algo más de su gran carrera educativa. ¿Demente, y en una universidad? Es así. La esquizofrenia permite reconocer los comportamientos que salen de la barrera de lo común, al punto de tener plena conciencia de que éstos son aplacados, en gran medida, gracias a los medicamentos. Está claro que cuesta; el matemático lo sabe muy bien. Su incorporación a la Universidad de Princeton, durante su juventud, supone tener los cinco sentidos puestos en un único objetivo: validar la prestigiosa beca Carnegie, por medio de un proyecto que sea útil, distinto a todo lo ya existente. El compañero de habitación también conoce el gran esfuerzo que significa estudiar para convertirse en un hombre que le sirva al Estado, que salga de los simples cánones. Lo otro también radica en el resto de la generación que pasa los días universitarios en el período anterior al logro que catapultará a la fama al protagonista. De todos modos, la cuestión importante está ligada con este punto, ya que Nash podría ser mirado de la misma forma que cientos de profesionales que han conseguido añadir su nombre a una lista de laureados. Si el lector examina con regularidad estas líneas, podrá darse cuenta que se habla de dos aspectos; uno, mostrar una tesis sin precedentes; y, dos, salir, aunque sea por algunos momentos, de la enfermedad mental. Sylvia Nasar se adelantó a todos nosotros, por cierto. La escritora estadounidense supuso que narrar la historia de un hombre que, pese a las dificultades, consiguió posicionar sus ideas en diferentes campos de la investigación, y, por ello, obtener el aprecio de sus pares, supera los tradicionales esquemas en donde la superación de las adversidades recién se acciona cuando aparece una especie de iluminación, o “acto que marca la vida”. Tal vez la rubia que aparece en el bar universitario podría ingresar en esa categoría, al ser el punto de partida del postulado matemático-económico que trascendería las paredes de Princeton para instalarse en la biología, la astronomía y las ciencias sociales. Un espacio olvidado por Adam Smith, padre de la economía moderna, hace que la confundida al tiempo que hábil mente del joven estudiante permita indicar que ahí está la clave de los futuros negocios; nada de “manos invisibles”, nada de acciones externas; es el propio ser humano quien decide la forma en que conseguirá sus fines, a través de aquello que podría ser menos grandioso, pero que sin embargo es más seguro. Es el “Equilibrio de Nash”. Ahora corresponde al cine mostrar la prolijidad, la fuerza con que el personaje ingresa al Instituto Tecnológico de Massachussets, defiende al Gobierno de los Estados Unidos en una inminente ataque soviético, acepta estar enfermo, se enamora, se casa, se apoya en su matrimonio y sigue sosteniendo la vida que hasta ese entonces había afirmado su noción de humano. Aquí vemos a un Russell Crowe potente, que reafirma las críticas positivas tras su actuación en “Gladiador”. Si Ron Howard, el director, necesita seriedad, la tiene; si un estado de inocencia en las escrituras con tiza de los ventanales universitarios, deben efectuarse con tranquilidad, nadie apura, ahí está Crowe, consciente de que cada escena, primer plano, gesto, tendrá que llevar parte de su propia vida; porque, al final, en eso se transforma un artista cinematográfico, en su personaje, en el desdoblamiento obligatorio. Aquellos que hemos conocido muy de cerca lo que es estar tirado en el suelo para luego levantarse, y construir todo de nuevo; seguimos los pasos de un auditorio dispuesto a ignorar que a quien se está premiando haya imaginado, siga imaginando seres, sucesos, o diga estar incapacitado para recibir tamaña recompensa. Lo esencial es que su contribución es mayor que cualquier otro aspecto. Hay que ser maduros; hay que levantarse de los asientos para aplaudir. El Premio Nobel es tan sólo un último paso; acá más bien se recompensa una vida entera.<br />Tres pilares cumplidos a cabalidad: guión adaptado, banda sonora y fotografía.<br /><br /><strong>Calificación: 6,4.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com25tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1135538387695567602005-12-25T11:06:00.000-08:002005-12-27T13:09:51.736-08:00SCARFACE, CARA-CORTADA<a href="http://www.bbc.co.uk/films/callingtheshots/images/scarface.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 263px; CURSOR: hand; HEIGHT: 155px" height="155" alt="" src="http://www.bbc.co.uk/films/callingtheshots/images/scarface.jpg" border="0" /></a><span style="color:#ff0000;"><strong>Filme 1932.<br /></strong></span><span style="color:#ff6600;"><strong>Director: Howard Hawks, Richard Rosson (co-director).</strong></span><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Guión: Ben Hecht . Basado en la novela de Armitage Trail.</strong></span><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Reparto: Paul Muni, Ann Dvorak, Karen Morley, Osgood Perkins, C. Henry Gordon, George Raft, Vince Barnett, Boris Karloff, Purnell Pratt, Tully Marshall, Inez Palange, Edwin Maxwell. </strong></span><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Duración</span></strong><strong><span style="color:#ff6600;">: 93 min.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">País: EUA.<br /></span></strong><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Filme 1983.</span></strong><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Director: Brian DePalma<br />Productor: Martin Bregtman<br />Guión: Oliver Stone, Brian DePalma.<br />Reparto: Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio, Robert Loggia, F. Murray Abraham, Miriam Colon, Harris Yulin, Paul Shenar<br />Banda Sonora: Giorgio Moroder<br />Distribuidora: Universal Pictures<br />Duración: 170 min.<br />País: EUA. </strong></span><br /><br />Al Capone y Tony Montana son personajes de diferentes épocas, con la única excepción de que ambos forman parte de las figuras que quedan en el colectivo mental a modo de seres casi mitológicos. Puede ser que con uno de ellos se tenga certeza de su existencia, y que el otro sólo pertenezca a la creatividad de un director; de todas formas, el vínculo que los une, en el formato del celuloide, hace ver que las acciones arriesgadas toman fuerza cuando el guión, el personaje elegidos tienen una filosofía de vida que, aunque esté lejos de nuestros pensamientos cotidianos, se traspasa al subconsciente sin codificaciones previas. Howard Hawks empieza a comprender que esto es posible desde 1927, año en que comienza a escribir la historia basada en una novela que a su vez extrae parte de los actos delictivos del gran dominador de la mafia de la época; es decir, el citado Al Capone. Acá nace el apodo que terminaría por imponer una marca registrada a todo lo relacionado con éste: Scarface (Al Capone tenía una cicatriz en una de sus mejillas). El filme, por cierto, cuenta el vandalismo realizado en varias ciudades de los Estados Unidos, donde destacan Chicago, New York y Miami; ejes centrales del tráfico de alcohol, estupefacientes y otras mercancías. “La vergüenza de la Nación” a manera de subtítulo dejaba en claro que el relato es más bien anti-gángsteres que una manera liberal de exponer los asesinatos y las peleas entre clanes, los que tuvieron que esperar dos años para ser exhibidos (1932), después de su producción y edición (1930). Los actores (algunos de ellos, reconocidos en el a punto de desaparecer cine mudo) encarnan de manera ejemplar lo que un bandido puede hacer. Coraje, apoderamiento de las mujeres, peleas, golpes, decisión. Es el cine de principios del siglo XX, tampoco se puede exigir demasiado (muchos cuadros cinematográficos fueron creados con posterioridad, en “El Ciudadano Kane”, por ejemplo).<br />A quien sí se le puede catalogar de otra forma, con bases, es a la secuela (remake) de esta película: “El Precio del Poder, Scarface”, dirigida y escrita por Brian DePalma, entre 1980-1982 (junto con Oliver Stone). Los avances técnicos del cine, la acción y el desarrollo de las psicologías de los personajes (demostradas en los primeros planos) da la posibilidad para que Tony Montana, hastiado de la vida miserable de Cuba, de seguir matando por puro placer, se embarque a Miami, y decida seguir los pasos de la mafia seria, respetada sólo por el hecho de existir, junto con quien se transforma en la mitad de su cerebro, Manny Rivera. Ahora son otras las finalidades tranzadas en el mundo del hampa; la droga, el narcotráfico permiten posicionarse rápido en un pequeño ambiente, para luego liderar la mayoría de las transacciones. La potencia del protagonista, eso sí, hace necesario acudir a encarnaciones creíbles, que se sostengan solas incluso en una simple toma. Al Pacino es lo que se busca. Viene demostrando, desde su incursión de “El Padrino”, que su temperamento y una mezcla de serenidad omnipotente, a la hora de expresar lo que piensa el personaje, dejan en claro que las virtudes superan con creces a las carencias del actor. Acá comprobamos aquello: si Montana indica que es necesario eliminar a un enemigo, se denota con fuerza; cuando las frases duras ("Todo lo que tengo en esta vida son mis cojones y mi palabra”, por ejemplo) se deben señalar sin titubeos, la voz de Al Pacino resuena tal vez mejor de lo que DePalma desea; en la mitad de una conversación con una mujer, en donde sale a relucir el gusto por conseguir cualquier fin propuesto, las formas galantes, masculinas, se muestran directas, alejadas de los rodeos. El nuevo jefe de banda de la década de 1980, que piensa en tres cuestiones fundamentales: él, él y él. El resto queda en manos de quienes deben estar ahí a fuerza de lo que ha odiado desde siempre: quedar postergado a lavar platos en una tienda miserable, y luchar para obtener el dinero, el mando, a paso lento; en vez de conseguirlo de inmediato, sin saltarse la esencia de ser un matón al que nadie deja de temer; con o sin contradicciones incluidas.<br /><br /><strong>Calificaciones:<br />Filme de 1932: 5,5.<br />Película de 1983: 6,2. </strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com32tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1134787239099062192005-12-16T23:33:00.000-08:002005-12-18T13:06:45.143-08:00STAR WARS<h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DE LA PRIMERA A LA SEGUNDA TRILOGÍA</u></h5></span></marquee><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Empire_strikes_back_4.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 243px; CURSOR: hand; HEIGHT: 155px" height="160" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Empire_strikes_back_4.jpg" width="222" border="0" /></a><span style="color:#ff6600;"><strong><span style="color:#ff0000;">Primera Trilogía.</span><br /><br />Director: George Lucas<br />Productor: Gary Kurtz, George Lucas, Rick McCallum<br />Guión: George Lucas<br />Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, David Prowse, Phil Brown, Shelag Fraser, Jack Purvis, Alex Mccrindle, James Earl Jones.<br />Banda Sonora: John Williams<br />Divisiones y años de Estreno: Episodio IV: Star Wars. Una nueva esperanza (1977); Episodio V: El Imperio Contraataca (1980); Episodio VI: El regreso del Jedi (1983).<br />Tiempo de duración: 121 min., 124 min., 135 min.; respectivamente.<br />Distribuidora: 20th Century Fox<br />País: EUA.</strong></span><br /><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Escucha la crítica con</span></strong> <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/starwars.wav"><span style="color:#ff0000;"><strong>Windows Media Player</strong></span></a> <span style="color:#ff6600;"><strong>o</strong></span> <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/starwars1.mp3"><span style="color:#3333ff;"><strong>Real Player</strong></span></a><br /><br />Armar el equilibrio de la fantasía con la realidad. George Lucas utiliza esta frase cuando intenta hablar de la manifestación cinematográfica que lo tiene reconocido en todo el orbe por un director de tomo y lomo. Gran parte de su temprano despertar al sector de la ciencia-ficción proviene de las lecturas de los libros mitológico-religiosos del investigador Joseph Campbell; en especial, de la obra “El Héroe de las Mil Caras”; donde se narra la vida de un ser sobrenatural que pasa por grandes trances, hasta verse convertido en todo aquello que una vez odiaba. Además de esta influencia, están los filmes de Akira Kurosawa, los samuráis, y su propia conformación de guionista, en sus anteriores trabajos “<em>THX 1138</em>” (1970) y “<em>American Graffiti</em>” (1973). Lo claro es que la versatilidad y fuerza de la historia supera las simples interpretaciones que se tratan de sacar luego de entrevistar al autor. En primer término, Star Wars, con 15, 12 ó 9 partes anunciadas en un principio por él mismo, antes de ver las reales seis existentes, posee la característica de un universo con preocupaciones, conflictos, incertidumbres y aventuras que se asemejan bastante a los sucesos vividos hoy por hoy, salvo las altas tecnologías alcanzadas en éste. <em>Una Nueva Esperanza</em> (Episodio IV), <em>El Imperio Contraataca</em> (Episodio V) y <em>El Regreso del Jedi</em> (Episodio VI) sirven para mostrar la forma en que está distribuida una legión de personajes que demuestran poseer diferentes psicologías; divisiones ideológicas, territoriales; alternancias de carácter. Un gran dictaminador con aires de ser siniestro desea apoderarse de aquello que hace bastante tiempo veía como suyo. Es Darth Vader, quien ve en la Princesa Leia una perfecta artimaña para aplacar al enemigo, y conseguir sus objetivos. La reacción se hace ver cuando las fuerzas Jedi vuelven a posicionarse en el espectro de las batallas; y aparecen los grandes protagonistas de estas partes: Obi-Wan Kenobi, Luke Skywalker, Han-Solo, Maestro Yoda, C-3PO-R2-D2. Ellos saben que la continuidad de un mundo que había costado construir merece tomar riesgos, adquirir madurez, afirmarse en la “Fuerza”; todo con una muestra fiel de las contradicciones propias de los humanos, lo que pareciera estar presente al igual que en una Organización Internacional y sus países miembros, en donde siempre hay roces, temores e ideas encontradas. En pocas palabras, impecable, cimentado, creíble, auténtico, actores que brillan por sí solos.<br /><br /><strong><span style="color:#ff6600;"><span style="color:#ff0000;">Segunda Trilogía.</span><br /><br />Director: George Lucas<br />Productor: Rick McCallum, George Lucas<br />Guión: George Lucas, Jonathan Hales (transcripción)<br />Reparto: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Ian McDiarmid, Hayden Christensen, Christopher Lee.<br />Banda Sonora: John Williams<br />Divisiones y años de Estreno: Episodio I: La Amenaza Fantasma (1999), Episodio II: El ataque de los Clones (2002), La Venganza de los Sith (2005).<br />Tiempos de duración: 133 min., 142 min., 140 min.; respectivamente.<br />Distribuidora: 20th Century Fox<br />País: EUA.</span></strong><br /><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Escucha la crítica con</span></strong> <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/starwars11.wav"><span style="color:#ff0000;"><strong>Windows Media Player</strong></span></a> <span style="color:#ff6600;"><strong>o</strong></span> <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/starwars11.mp3"><span style="color:#3333ff;"><strong>Real Player</strong></span></a><br /><br />Lucas reconoce que el público, aquel que lo motivó a seguir realizando los dos capítulos siguientes al IV, necesita saber el origen de las pugnas entre el Lado Oscuro y la Vitalidad de la Fuerza. Se supone que Skywalker tiene lazos sanguíneos con un moribundo Vader (en el episodio VI); Obi-wan fue maestro de este último en su juventud; y los Jedi son una casta antiquísima, con una cultura propia. 1999 está a la altura de las nuevas herramientas de efectos especiales. Con ello, La Amenaza Fantasma cumple a cabalidad con los espectadores que buscan acción. De todas formas, el guión es el arma que ha de considerarse antes de cualquier otra cosa, en el cine. En este caso, al parecer, Lucas se va por el lado de los aspectos que llaman la atención a primera vista. Pierde el rumbo de una película de gran realce, por medio de naves modernas, esferas que bloquean los disparos del enemigo, seres de extraña fisonomía. Las actuaciones son el punto que revitaliza las secciones poco innovadoras. Ewan Mac-Gregor tiene poco que envidiarle a un Harrison Ford de la primera trilogía. Así, sus anteriores intervenciones en el celuloide le dan el carácter que Sir Alecc Guinnes mostraba en la caracterización de Obi-Wan, en las décadas de 1970-1980. El Ataque de los clones y La venganza de los Sith siguen explicando que el joven Anakin Skywalker es el futuro Darth Vader; y que Yoda y Obi-wan trataron por todos los medios de que dejara de lado sus intentos por escapar de las leyes Jedi. Es, sin duda, la moral, la ética del director plasmada en sus personajes. Aunque, hay que ser ciertos, la trama de esta última trilogía, para quienes se consideran fanáticos o gustan de averiguar más allá en la serie, viene siendo algo “supuesto”, tal vez por eso encanta poco. El resto de las personas (un pequeño olvido de Lucas), tiene que andar averiguando cuestiones fundamentales para saber el porqué de tal o cual acción (incluso en la parte final, la que se creía serviría para esclarecer todo). Nada es perfecto.<br /><br />La banda sonora que está en el colectivo mundial, el derecho de George Lucas a ser considerado un director de generaciones.<br /><br /><strong>Calificaciones.<br /><br />Primera Trilogía: 6,4.<br />Segunda Trilogía: 5,4.</strong>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com5082tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1134132594065972422005-12-09T04:36:00.000-08:002005-12-09T04:55:08.506-08:00EL SILENCIO DE LOS INOCENTES<h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span></marquee><br /><br /><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Título Original: The Silence of the Lambs<br />Título Alternativo (España): El Silencio de los Corderos. </strong></span><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Hannibal01.jpg"><span style="color:#ff6600;"><strong><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 272px; CURSOR: hand; HEIGHT: 157px" height="153" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Hannibal01.jpg" width="240" border="0" /></strong></span></a><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Año: 1991<br />Duración: 118 min.<br />País: EUA<br />Director: Jonathan Demme<br />Guión: Ted Tally<br />Basada en la novela de Thomas Harris (1988)<br />Banda Sonora: Howard Shore<br />Fotografía: Tak Fujimoto<br />Reparto: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Ted Levine, Anthony Heald, Diane Baker, Brooke Smith, Tracey Walter, Kasi Lemmons, Chris Isaak.</strong></span><br /><br />Hannibal Lecter es un nombre que se sostiene por sí solo en la lista de los personajes literarios y del cine. Tomas Harris, antes de crearlo en su novela Dragón Rojo, en 1981, quiso acudir a lo que muchos llaman “relato psicológico”, aunque, en esta ocasión, deseaba añadir cuotas de agresividad y desencajo que hiciesen del protagonista un auténtico asesino en serie-manipulador. Sólo podía ser posible al darle características de culto al tiempo que un señalamiento de criminal, lacra humana. El arquetipo quedaba así: psicólogo de renombre, vida austera, con apariencia de ser intachable, atento, irónico. El conocimiento de estas características está representado de manera fiel en el medio artístico que mostró, en mayor magnitud, lo creado por Harris: “El Silencio de los Inocentes” sigue la historia del despiadado criminal de una forma más descarnada, con un Lecter destinado a cumplir la condena por sus fechorías, declarado un hombre en extremo peligroso, que está en cada lista de “Los más buscados” del FBI. El desarrollo de las facciones, que van desde un simple guiño hasta un grito de mando; la elegancia y omnipotencia explícitas, factores que hacen temer, a cada segundo, de lo que está pensando; y un calculado estado de ánimo, hacen pensar que pocas personas tienen la capacidad de parodiar lo descrito en el papel. Error. Jonathan Demme sabe que, para adaptar una gran historia al formato del cine es necesario buscar rostros creíbles, experimentados, comprometidos con el exigente público. El casting da como resultado al actor preciso. Anthony Hopkins representa miedo, duda, manejo de las acciones, coraje, poder, ojos que causan tensión, estabilidad interpretativa, de principio a fin. La elección del resto del reparto, con el protagonista ya encontrado, se convierte en algo menos difícil.<br />Los méritos alcanzados por Demme se realizan por medio de una progresiva cadena de actos predeterminados. Lo primordial es el encuadre, los primeros planos (además del plano americano) y el detalle utilizado en los rasgos que provienen del psiquis y el físico. Aquí confluye el gran logro del director: otorgar locuacidad a la filosofía del inculpado, al borde de hacer creer, en ciertos momentos, que su proceso mental es consecuencia de las desigualdades sociales. Los inocentes son quienes están al borde de la muerte en el subterráneo de la casa de un demente obsesionado por las mariposas (Búfalo Bill [Louis Tolam]); los culpables, se supone, son los que crean estos ruines planes. Idea equivocada. La atmósfera mostrada en cada toma del filme demuestra que, en ese espacio temporal, todos, de alguna manera, caen en el atributo de la inocencia. Los rostros aquejados por la tristeza, la ira, el rencor, la preocupación de la senadora que desea saber sobre el secuestro de su hija, recuerdan, con una fotografía y una cámara en movimiento brillantes, el motivo por el cual se está en esta tierra; es decir, perseguir un interés propio o ajeno. Demme canaliza las sensaciones con el conocimiento de que la trama, para ser entendida y procesada, necesita de “respiros”; es decir, se eleva en los momentos importantes, y disminuye la carga temática en los tiempos adecuados. El trabajo realizado demuestra que la acción, la rapidez, también pueden llevar consigo diálogos de profundidad, lentitud en la realización de un crimen (la de los policías en el edificio, por ejemplo), típicas persecuciones policíacas. Con ello, Clarice Starling (Jodie Foster), el hilo conductor de la historia, muestra, de la mano del realizador, el entorno afectivo de Lecter. La oportunidad de escapar que ésta le ofrece es una ventana al intimismo que había dejado de lado, el encuentro con la retribución que permite incumplir con los acuerdos de quedarse encerrado al tiempo que entrega ayuda a las autoridades, a la chica en cuestión. Es por eso que ambos reconocen, en la llamada telefónica final, lo que les aguarda si el pacto rompe lo fundamental de la historia: el silencio.<br />Junto con Philadelphia, la cumbre máxima de Jonathan Demme, quien siguió demostrando que la saga sigue teniendo vigencia en “Hannibal” y “Dragon Rojo”.<br /><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Calificación: 6,3.</strong></span>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com25tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1133571429046454932005-12-02T16:04:00.000-08:002005-12-04T17:52:05.723-08:00LA NARANJA MECÁNICA<div align="justify"><ul><br /><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><br /><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO AL CINE</u></h5></span><br /></marquee><br /></ul></div><p><strong><span style="color:#ff0000;">Categorías </span></strong><strong><span style="color:#ff0000;">Literatura y Cine de Drama Siglo XX.</span></strong></p><p><strong><span style="color:#ff6600;">Título original: A Clockwork Orange</span></strong><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/clockwork.jpg"><strong><span style="color:#ff6600;"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" height="200" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/clockwork.jpg" width="289" border="0" /></span></strong></a><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Dirección: Stanley Kubrick<br />Guión: Stanley Kubrick, basado en la novela homónima de Anthony Burgess.<br />Producción: Stanley Kubrick<br />Protagonistas: Malcom McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corry, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive.<br />Género : Drama<br />Distribuidora: Warner Bros.<br />Estreno: 19 de diciembre de 1971<br />Duración: 137 m. </span></strong><strong><span style="color:#ff6600;">Banda Sonora: Wendy Carlos<br />Fotografía: John Alcott<br />País: Reino Unido. </span></strong><br /><br /></p><p><strong><span style="color:#ff6600;">Ve el video de la crítica con</span></strong> <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/20051203-185329.WMV"><span style="color:#ff0000;"><strong>Windows Media Player</strong></span></a></p><p>Ser subversivo. Ese era el modelo a seguir por la enfervorizada juventud de la década de 1970, cuando el rock and roll, y las drogas comenzaban a proliferar aún más en el mundo. En cambio, para el inglés Anthony Burguess, ese tiempo venía siendo su etapa de adultez, el período donde la vida comienza a perseguir anhelos superiores a las carreras de auto, el desenfreno y la rabia social. Pese a eso, las carencias económicas siempre hacen ir en contra de las ideas del momento, ante lo cual, sobre todo si el cáncer empieza a aflorar en el organismo, sólo queda acudir a aquello que va en contraposición de todo lo pensado. La mejor solución desigual únicamente puede venir de aquella fluctuante y desorganizada estirpe adolescente que ronda las calles de una Inglaterra, un planeta, que busca controlar las tendencias y las expresiones sin vallas ni reglas. El representante llevado al papel es Alex de Large, un joven acostumbrado a vagar por la línea de la revuelta y la pasión por las tendencias musicales que pertenecían a la juventud de Beethoven. Nada parece estar vedado en su existencia; él sabe que la represión existente en los años anteriores permite que su grupo se apropie de las cloacas donde abundan limosneros de edad avanzada, consuma vasos de leche plus con treimpromina en el restaurante “Coraba Milk Bar”, irrumpa en un intento de violación de una chica con el solo objetivo de demostrar que las peleas se ganan con fuerza de hombre, mutile <a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/naranjamecanica-cuadro11.0.jpg"><img style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 350px; CURSOR: hand; HEIGHT: 145px" height="145" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/naranjamecanica-cuadro11.0.jpg" width="334" border="0" /></a>a un acaudalado artista. Lo que sigue es la esencia de este escrito: saber hasta dónde un gobierno (o algún otro organismo) soporta los descalabros de cierto sector en pos de la tranquilidad social. El libro muestra la decisión tomada; es decir, la captura y regeneración de Alex; con todo, el tratamiento que éste recibe necesitaba ser mostrado a ojos vistas, con la finalidad de que los aspectos éticos tuviesen más fuerza. Es aquí donde un floreciente director de cine, Stanley Kubrick, capaz de cautivar hace poco con una magnífica demostración de un nuevo comienzo de la vida en “2001: Una Odisea en el Espacio”, opta por deslumbrar a su ya ganado público con lo que irrumpe en aquel entonces.<strong> </strong></p><p><span style="color:#ffffff;">De esta manera, las expresiones faciales narradas ahora se explicitan en los descarnados ojos azules de Malcolm McDowell, a quien, al parecer, las pinzas del realizador supieron escoger. El resto de la tarea tiene que venir de la mano del perfeccionismo, la efectividad, el exacerbamiento, los primeros planos de gran enfoque, una melodía beethoviana que resuene en los oídos, y, encima de cualquier otro aspecto, pasión, calidad, talento, inspiración toma tras toma. Kubrick, de a poco, comienza a transformarse en lo que Burguess es: un profesional maduro, que reconoce que la excelencia, en cine, en la vida diaria, se alcanza por la vía del trabajo constante. Puede ser que varios de sus contemporáneos cataloguen la obra de escandalizadora, inmoral, revolucionaria e indecorosa; a lo mejor la mayoría de sus nuevos espectadores estén entre los 18 y 20 años; nada de eso interesa. Las historias interesantes están obligadas a ser mostradas en su realidad, crudeza, vigor, supuesto desorden. Vapulear es parte del juego del propio universo de Alex; matar, golpear, beber, burlarse de los infelices, aprovecharse de los medios que le da su familia, viene siendo una manera alternativa de codificar lo que la humanidad ha venido mostrando desde sus inicios; por lo tanto, Kubrick se une a los puntos de vista de éste, potencia las representaciones actorales, eleva al máximo el deseo de impregnar la discusión y reflexión de una trama repleta de símbolos filosóficos, éticos (¿Quiénes son los verdaderos “malos”?; ¿quién la real escoria?); hasta tener pleno conocimiento de que los pensamientos se adaptan a las circunstancias, que las peripecias de un muchacho con ganas de destruirlo todo quedan en una expresión mínima cuando un político que estrecha la mano con claras intenciones electorales aparece delante de un tumulto de periodistas. </span></p><p><span style="color:#ff6600;"><span style="color:#ffffff;">La subjetividad hecha cine; la eterna huella de Kubrick.</span><strong><br /><br /><span style="color:#3333ff;">Calificación: 6,5.</span> </strong></p></span>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com24tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1133159087826400782005-11-27T21:47:00.000-08:002005-11-30T16:41:54.476-08:00SE ARRIENDA<div align="justify"><ul><h2 class="sidebar-title"></h2><u><span style="color:#0000ff;"></span></u><marquee scrollamount="2"><span style="color:red;"><h5><u>DEL LARGOMETRAJE...</u></h5></span></marquee></ul></div><p><br /><strong><span style="color:#ff0000;"><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/se-arrienda2.0.jpg"><img style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 250px; CURSOR: hand; HEIGHT: 156px" height="147" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/se-arrienda2.0.jpg" width="230" border="0" /></a>Categoría Cine Chileno 2000</span></strong><br /><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Título: "Se Arrienda" </span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Dirección: Alberto Fuguet.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Guión: Alberto Fuguet, Francisco Ortega </span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Intérpretes: Luciano Cruz-Coke, Felipe Braun, Benjamín Vicuña, Ignacia Allamand, Francisca Lewin.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Años de realización: 2004-2005</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Fecha de estreno: octubre de 2005</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">País: Chile. </span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Banda Sonora: Cristián Heyne y Andrés Valdivia.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Género: drama intimista, comedia romántica.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff6600;"></span></strong><br /><br /><strong><span style="color:#ff6600;">Ve el video de la crítica con</span></strong> <a href="http://200.71.198.250//rlobos/danielpag/searriendafilm.WMV"><span style="color:#ff0000;"><strong>Windows Media Player</strong></span></a> <strong><span style="color:#ff6600;">o</span></strong> <a href="http://200.71.198.250//rlobos/danielpag/20051128-121509.rmvb"><strong>Real Player</strong></a><br /><br />1980 es, en pensamiento, una década bastante alejada de los ideales juveniles que existen hoy. Ahora, las personas que surcan los 15 a 20 años viven en un clima de libertades, ideas más o menos cumplidas, y facilidades para acceder a lo que se requiere. Alberto Fuguet es uno de aquellos seres que están fuera de esta categoría, ya que la gran parte de su vida juvenil sucedió precisamente en esos diez años de fervor (por lo menos, en Chile) por buscar un mejor mañana, ver cumplidas las metas, disfrutar el rock latinoamericano que surgía, tratar de conquistar el mundo. Lo cierto es que, para mostrar una película que llegue al público, el escritor ahora convertido en cineasta, tiene claro que esos tiempos identificarán poco al espectador que más está vinculado con la trama expuesta en sus libros. Se necesita mayor cercanía, empuje, caracterizaciones que hagan aquello que se llama “clic” con las emociones de los nuevos cinéfilos, y de las generaciones que leyeron su obra. El escenario sólo puede ser el bullido mundo de los años 1990 y 2000, en un Chile renovado, lleno de carreteras modernas, televisión por cable, amplitud de criterios, democracia, tolerancia; y, por sobre todo, individualismo extremo. Esto último, sumado a la inadaptación y las limitaciones mentales del protagonista, son los pilares fundamentales de una película que está ambientada en Santiago (de Chile), pero que sin embargo, puede estar sucediendo en China o el propio Nueva York. Desde ese punto de vista, Gastón Fernández –el protagonista– es tan hijo de su autor como Matías Vicuña (“Mala onda”), Enrique Alekán, Andoni Llovet (“Por favor, rebobinar”), Alfonso Fernández (“Tinta roja”) o Beltrán Soler (“Las películas de mi vida”). Lo menos que se puede decir es que odia la situación en la que se encuentra: músico de profesión, de regreso en el país, sin carrera, sin ahorros, sin AFP ni cuenta corriente. Un adolescente de 33 años rodeado por amigos que están blindados, casados, separados, “engrupidos” o decepcionados; que “están” en algo, mientras él se ve obligado a aceptar un trabajo como corredor de propiedades en la inmobiliaria de un padre, quien lo trata como si fuese un caso clínico, una alergia que cuesta erradicar. La exacerbación de la crueldad que presenta a este joven reducido a su mínima expresión, alguien que durante buena parte de la narración está más preocupado de pagar sus cuentas que por buscar sentido a las cosas ni menos la mujer de su vida, hace que se piense en que se trata de una típica película que busca llegar a la nostalgia, a la melancolía (al “Pobre niño, miren cómo sufre”); aunque, de todas formas, aquello queda descartado con la fuerza y el potencial mostrado por un serio y creíble Luciano Cruz Coke, quien, sin duda, merecía ser considerado para un rol de este tipo. De esta forma, se supone que el proceso debería ser uno, y eso calza cuando Fernández intenta procesar lo que ha ocurrido con sus amigos y trata de asimilar qué es lo que los ha vuelto tan pragmáticos y cínicos, pero comienza a hacer ruido una vez que los realizadores deciden introducir la historia de amor con Elisa, una joven que ha escuchado el único crédito cinematográfico de Gastón, la banda sonora para el corto “Las hormigas asesinas” (del cual se ven reiteradas imágenes en la cinta), lo que da entender que ambos pertenecen a una película paralela, situada en otro mundo y otra generación. El descubrimiento final sólo es una muestra de que Fuguet sabe que, aunque los tiempos dan para mostrar un “The End” cruel (con muerte o suicidio, si es posible), todavía quedan mentes que permiten aceptar una escena entre padre e hijo, en un lavado de autos, conocedores, ahora sí, de lo que quieren para su futuro, de que las frustraciones se superan. Es el carácter equilibrado de los adultos nombrados con mayúscula.<br /><br /><strong>Calificación: 5,5.</strong> <a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Flecha1.4.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; CURSOR: hand" height="222" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Flecha1.4.jpg" width="145" border="0" /></a><br /><br /><br /><p></p><p></p></strong><span style="color:#ff5500;"><strong></strong><ul><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2" direction="right"><span style="color:red;"><h5><u>...AL CORTO</u></h5></span></marquee><strong></strong></ul><br /><br /><br /><strong>LAS HORMIGAS ASESINAS.<br /></strong><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Hormigas%20Asesinas1.jpg"><img style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" height="141" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Hormigas%20Asesinas1.jpg" width="221" border="0" /></a><span style="color:#ffffff;">El gusto por extender una historia con diferentes temporalidades hace que Fuguet decida realizar el cortometraje en el que participa el protagonista de “Se arrienda”, Gastón Fernández. En sí, se puede decir que, dentro de su categoría, la realización responde a lo esperado, ya que, si de un momento a otro, Santiago de Chile, es una ciudad condenada a muerte (ocurren asesinatos, desapariciones), debido a una plaga de <span style="color:#ffffff;">hormigas mutantes, despertadas accidentalmente; es evidente que la tranquilidad imperante se transforma en caos y desesperación para Paul Kazan (Benjamín Vicuña), DJ residente de la disco Insomnio, quien decide luchar contra esta invasión, al tiempo que corre por calles vacías y grita sin que nadie lo escuche. Lo cierto es que este punto es lo que la hace monótona, reiterada y simple. Vicuña, está claro, puede ser reemplazado por cualquier otro actor y le daría más gusto; cuesta creer que el que está en frente sea el típico looser sobreviviente al exterminio ajeno. Sólo la soledad, el ambiente de incertidumbre que podría vivirse, en caso de que esto ocurriera, deja algo en la mente del espectador; lo demás se puede resumir en una frase corta</span>: Fuguet tendrá que demostrar más si quiere seguir llevando sus ideas al celuloide.</span><br /><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Calificación: 4,0.</span></strong><br /><br /><br /></span><span style="color:#ff5500;"></span></li><br /></form>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com19tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1132592512804667392005-11-21T08:56:00.000-08:002005-11-28T18:20:19.860-08:00EL SEÑOR DE LOS ANILLOS.<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Tolkien_ring.jpg"><img style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 256px; CURSOR: hand; HEIGHT: 228px" height="228" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Tolkien_ring.jpg" width="288" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><div align="justify"><ul><br /><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><br /><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO...</u></h5></span><br /></marquee><br /></ul></div><br /><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Categoría Novelas del siglo XX.<br /></strong></span><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Título del Libro: El Señor de los Anillos (The Lord of The Rings).<br />Divisiones: La Comunidad del Anillo (The Fellowship of the Ring); Las Dos Torres (The Two Towers); El Retorno del Rey (The Return of the King).<br />Autor: John Ronald Reuel Tolkien (J. R. R. Tolkien).<br />Año de publicación: 1954 (primera parte), en Gran Bretaña.<br />País: Reino Unido.<br />Género literario: literatura fantástica, literatura épica, novela de aventuras.<br />Argumento: un grupo de seres (elfos, magos, hobbits, enanos, orcos, humanos), que forman La Comunidad del Anillo, intentan destruir el Anillo Único, forjado por Sauron, el amo del mal. </strong></span><br /><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>P</strong><strong>ulsa PLAY para escuchar la crítica</strong></span><br />Para oírla, necesitas tener RealPlayer, descárgalo <a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/RealPlayer10-5GOLD_es.exe"><span style="color:#ffffff;">aquí</span></a><br /><br /><br /><embed src="http://200.71.198.250//rlobos/danielpag/Anillos1.mp3" width="150" height="150" type="application/octet-stream" autostart="FALSE"><br /><noembed><br /><img dynsrc="http://200.71.198.250//rlobos/danielpag/Anillos1.mp3" height="160" width="120" start="FILEOPEN" /><br /></noembed><br />La trama de “El Señor de los Anillos”, en el formato impreso, hace atenerse a dos cuestiones primordiales: se trata de un libro de fantasía, y está contado en un lenguaje cercano al tiempo que adulto. Es por eso que una de las piedras de tope que muchos le atribuyen a esta obra es que se enmarca en un universo inexistente, que poco tiene que ver con la regularidad y el estudio de su autor, John Ronald Reuel Tolkien (J. R. R. Tolkien). Lo cierto es que uno de los motivos por los cuales estas posturas pierden fundamento pasan por el hecho de que este estudioso de Filología Inglesa de la Universidad de Oxford, comenzó a darse cuenta de que su conocimiento en varios tipos de lenguas podría verse reflejado en historias donde el deseo por conocer culturas milenarias de antiguas épocas (fuesen reales o falsas), tendría un valor trascendental si se le agregaba el aspecto de lo imaginario, aquello que hasta entonces comenzaba a quedar olvidado, debido al surgimiento de la novela realista. El año 1937 es el inicio del aporte de Tolkien en la literatura universal; ahí publica “El Hobbit”, una novela pensada para sus hijos, que más bien tenía el fin de ver cumplido un sueño: dar a conocer al mundo lo que un pueblo pequeño puede conseguir con el esfuerzo (se sabe que este autor, al tener una doctrina religiosa, parte sus libros con el deseo de enseñar valores, apoyo espiritual). La crítica especializada le da una calificación media, sobre todo por las similitudes con los relatos de los enanos, los trolls y gnomos; de todas formas, es el público infantil y joven el que se interesa por conocer más del escritor sudafricano-británico, lo cual repercute en un éxito de ventas. Por cierto que aquello es el motivo que le hace seguir con la saga de la Tierra Media y sus derivados; es hora de expandir el universo tolkiniano y hacerlo más completo, que parezca una novela de naciones. Así nace “El Señor de los Anillos”, un relato que, en su primer momento, estaba pensado para su edición in extenso, pero que, al ser de un volumen mayor, es necesario dividirlo en tres secciones (la Trilogía). Lejos de indicar que la recepción del público fue favorable (100 millones de ejemplares en 25 idiomas), es necesario explicar de dónde proviene tanto éxtasis por leer una historia que tiene bastante relación con una mezcla de anteriores expresiones literarias (La Ilíada, La Odisea, Arturo, El Quijote de la Mancha, los libros de viajes, los relatos de la Edad Media). Esto recae en la doctrina de Tolkien, su trabajo metódico, señero, que, al tiempo de plasmar entretención y fantasía, entrega valores, contenido, utiliza palabras entendibles a primera vista.<br /><br /><br /><br /><br /><li><a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/CRITICALIBROELSENORDELOSANILLOS.htm">SIGUE LEYENDO LA CRÍTICA DEL LIBRO</a></li><br /><br /><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Calificación: 6,7. Excelente.</strong></span> <a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Flecha1.3.jpg"><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 125px; CURSOR: hand; HEIGHT: 263px" height="222" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Flecha1.3.jpg" width="125" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /></strong><span style="color:#ff5500;"><strong></strong><ul><br /><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2" direction="right"><br /><span style="color:red;"><h5><u>...AL CINE</u></h5></span><br /></marquee><strong><br /></strong></ul><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/The%20Lord%20of%20the%20Rings.1.jpg"><img style="WIDTH: 217px; CURSOR: hand; HEIGHT: 234px" height="234" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/The%20Lord%20of%20the%20Rings.1.jpg" width="268" border="0" /></a><br /><strong><span style="color:#ff0000;">EL SEÑOR DE LOS ANILLOS (THE LORD OF THE RINGS).<br /></span></strong><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Categoría Películas Ciencia Ficción 2000.</span></strong><br /><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Dirección: Peter Jackson.<br />Guión: Peter Jackson, Fran Walsh y Philippe Boyens. </strong></span><br /><span style="color:#ff6600;"><strong>Intérpretes: Elijah Wood (Frodo), Ian McKellen (Gandalf), Viggo Mortensen (Aragorn o Tranco), Sean Astin (San), Liv Tyler (Arwen), Billy Boyd (Pippin), Dominic Monaghan (Merry), Ian Holm (Bilbo), Orlando Bloon (Legolas), Sean Bean (Boromir), Christopher Lee (Saruman), Cate Blanchet (Galadriel), John Rhys Davies (Gimli), Andy Serkis (Gollum) y Marton Csokas (Celeborn).<br />País: Estados Unidos-Nueva Zelanda.<br />Años de realización y títulos originales: La Comunidad del Anillo (The Fellowship of the Ring): 1999-2001; Las Dos Torres (The Two Towers): 2001-2002; El Retorno del Rey (The Return of the King): 2003.<br />Producción: Peter Jackson, Barrie M. Osborne y Tim Sandos.<br />Primer estreno: Diciembre de 2001.<br />Duración: 178 minutos (La Comunidad del Anillo); 179 m (Las Dos Torres); 201 m (El Retorno del Rey).<br />Género: Ciencia ficción; aventuras; acción.<br />Premios: 11 Premios de la Academia (Oscar), en 2004 (destacan: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Guión Adaptado, Mejores Efectos Especiales). 4 Globos de Oro, 2 Premios de Filmes MTV, 2 Premios Grammy, y varios otros galardones.<br /></strong></span><span style="color:#333333;"></span><br /><br /><li><a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/TheLordRings1.rmvb">VE EL VIDEO DE LA CRÍTICA AQUÍ</a></li> (Real Player)<br /><br /><li><a href="http://200.71.198.250/rlobos/danielpag/CRITICAELSENORDELOSANILLOS-PELICULA.htm">LEE LA CRÍTICA DE LA PELÍCULA</a></li><br /><br /><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Calificación: 6,5. Excelente.</span></strong><br /><strong><span style="color:#ff0000;"></span></strong><br /></span><span style="color:#ffffff;"><strong>¿Estás de acuerdo?</strong></span><br /><br /></span></span><br /></span></span>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com16tag:blogger.com,1999:blog-19064738.post-1132241377652983692005-11-17T07:28:00.000-08:002005-11-18T19:42:59.033-08:00DON QUIJOTE DE LA MANCHA<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/quijote.0.jpg"><div align="justify"><strong><span style="color:#ff5500;"><img style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 211px; CURSOR: hand; HEIGHT: 302px" height="302" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/quijote.0.jpg" width="201" border="0" /></a></div></span></strong></a><br /><br /><strong><span style="color:#ff5500;"><span style="color:#ff0000;"></span><div align="justify"><br /><br /></div><div align="justify"><ul><br /><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2"><br /><span style="color:red;"><h5><u>DEL LIBRO...</u></h5></span><br /></marquee><br /></ul></div><br /><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Categoría Novelas del siglo XVII.</strong></span><br /><span style="color:#ff0000;"></span><br /><span style="color:#ff0000;">Título del Libro: El Ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha.</span><br /><span style="color:#ff0000;">Títulos Alternativos: Don Quijote, Don Quijote de la Mancha.Autor: Miguel de Cervantes.Año de publicación: 1605 (1ª parte) y 1615 (2ª parte).</span><br /><span style="color:#ff0000;">País: España.</span><br /><span style="color:#ff0000;">Género literario: novela moderna; realismo; romanticismo; libro de caballerías.</span><br /><span style="color:#ff0000;">Argumento: un viejo español avecindado en cierto lugar de La Mancha comienza a leer novelas de caballeros andantes, lo que da pie para convertirse en un ellos, y emprender una serie de aventuras.</span><br /></span></strong><br /><span style="color:#ffffff;"><strong>Este es el año de Cervantes, se cumplen cuatro centenarios desde que su máxima publicación, Don Quijote de la Mancha, saliera a la luz, en la España del siglo XVII. Para comenzar, se vuelve imprescindible hacer referencia a los libros de caballería como la fuente por excelencia en la elaboración de la novela de Cervantes. En cuanto a esta elaboración, conviene tener en cuenta la hipótesis que data de principios del siglo XX referente a la existencia de un texto primitivo anterior a las dos partes conocidas del Quijote, el que recibiría el nombre de Ur-Quijote o Quijote primitivo. La presencia de novelas intercaladas en el Quijote constituye otro de los miramientos de los investigadores donde se señala que el Quijote habría sido un "vehículo de transmisión" de una serie de obras de Cervantes, las cuales no habían encontrado modo de difusión impresa. Así, estas novelas no tendrían como función compensar ciertos vacíos de la trama quijotesca, sino, más bien, una dilatación de la llegada al capítulo donde el Quijote regresa a su casa, al final del Primer Libro. El segundo aspecto que interesa destacar es el de la referencia del autor apócrifo (falso) del Quijote: Alonso González de Avellaneda. El Quijote de Avellaneda aparece por primera vez en el capítulo cincuenta y nueve de la segunda parte, aunque, de manera implícita, la idea de Avellaneda está presente en la segunda parte del Quijote desde capítulos muy anteriores al cincuenta y nueve. En todo caso, lo importante es dejar en claro que lo sucedido con este extraño autor es una circunstancia fortuita, que en ningún modo quita peso al valor de la obra cervantina (en pleno siglo XXI, igual que en el XVII, las imitaciones siguen, en perjuicio o a favor del creador original). El tercer punto concierne a las posibles técnicas teatrales empleadas por Cervantes en la génesis del Quijote. Son cuatro los aspectos fundamentales que permitirían hablar de la teatralidad del Quijote: la presencia de narradores "dramatizados" que aparecen y desaparecen de escena, con lo cual se propicia una mayor autonomía a los personajes; la importancia creciente del diálogo; la aparición de personajes novelescos que se ven a sí mismos como actores dentro de una novela, improvisando y representando obras teatrales y el método "dramático" cervantino de crear escenas. </strong><br /></span></strong></span><strong><span style="color:#ffffff;">Hay que señalar que lo esencial de la novela va más allá de contar una historia de idealismos, logros, aventuras, conversaciones dispares, el compañerismo. En esta parte, se podrá responder a las típicas preguntas que salen a la luz cuando se intenta comentar algo de la obra, ¿qué tiene de diferente con todas las anteriores?, ¿por qué Cervantes es casi considerado un dios en la literatura universal? Lo primero que se debe decir es que Cervantes, el autor, empieza la obra después de haber pasado por sucesos trágicos, miserias, la pérdida de un brazo, inclusive. Eso empieza a generar una secuencia de experiencias vitales, que le permiten mirar el mundo con ojos expandidos. Su intento por plasmar las vivencias se desencadena en un personaje, tal vez, el primer héroe nacido de la mente de un único hombre, Don Quijote, un ser que, a medida que llena su existir de las lecturas de las novelas de caballería, se enajena en su particular mundo. Así, el libro muestra los parajes de España, la amistad que nace entre escudero (Sancho Panza) y señor, los romances imaginarios con Dulcinea del Toboso, las peleas contra los molinos de viento, las consejos y refranes del protagonista; pero, ante todo, lo que le otorga el título de novela moderna: la fusión de todas las anteriores formas de escritura (diálogo teatralizado, novelas de caballerías, novela pastoril, libro de romances, mitologías, poemas, etc.); y lo fundamental, aquello que la hace diferente al resto: la crítica, las creencias, las filosofías expuestas por sus personajes; es decir, se reconoce que el hombre piensa, crea, argumenta, opina. Es posible que las actuales novelas tengan mayores fundamentos, sean parecidas a ésta y hasta más entretenidas, cuenten relatos que llegan más por el sólo hecho de estar cercanos a la realidad del momento; de todas formas, a Cervantes se le debe dejar en una parte privilegiada de la estantería por una única razón: es el iniciador; el que, sin la necesidad de ver una película entera o un cómic japonés, supo liderar los pensamientos de su época con astucia y determinismo, hasta hacernos pensar que las odiseas, las luchas por conseguir el objetivo, son cuestiones que trascienden épocas, que están pasando en India o en Uruguay (por lo demás, ¿quién dice que segundas partes nunca fueron buenas?; el libro segundo se vendió como pan caliente, y es el más logrado de las dos divisiones). De ahí que todos estos elementos, junto a muchos otros, hacen de “Don Quijote” el punto de referencia de cualquier otro tipo de novela posterior (además de las derivaciones del libro: el musical “El Hombre de la Mancha”, la larga serie de películas, las exposiciones teatrales y los dibujos animados que cuentan la valentía, el coraje y la audacia del Caballero de la Triste Figura).</span><span style="color:#ff5500;"> </strong></span><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Flecha1.2.jpg"><strong><img style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 120px; CURSOR: hand; HEIGHT: 351px" height="136" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/Flecha1.2.jpg" width="155" border="0" /></strong></a><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Flecha1.jpg"></a><strong><br /><span style="font-size:130%;color:#ff0000;"></span><br /><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">Calificación: 7,0 Insuperable</span><br /><br /><br /></strong><span style="color:#ff5500;"><strong></strong><ul><br /><h2 class="sidebar-title"></h2><marquee scrollamount="2" direction="right"><br /><span style="color:red;"><h5><u>...AL CINE</u></h5></span><br /></marquee><strong><br /></strong></ul><br /><br /><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/Flecha1.1.jpg"></a><br /><span style="font-size:130%;color:#ff0000;"></span><br /><span style="color:#ff6600;"><span style="font-size:130%;"></span><br /></span><br /><strong><span style="color:#ff0000;"><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">"El caballero don Quijote"<br />Ficha artística de la película</span><br /></span>----------------------------------------------------<br /></strong><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/1600/caballero%20don%20quijote.jpg"><strong><img style="WIDTH: 153px; CURSOR: hand; HEIGHT: 220px" height="257" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/839/1880/320/caballero%20don%20quijote.jpg" width="142" border="0" /></strong></a><strong><br /></strong><strong><span style="color:#ff0000;">País y año: España (2002)<br />Género: Drama<br />Fecha del estreno: 08/11/2002<br />Duración: 119 minutos<br />Director: Manuel Gutierrez Aragon<br />Guionista: Manuel Gutierrez Aragon<br />Producción: Jose Luis Jimenez<br />Productores ejecutivos: Juan Gona<br />Dirección artística: Felix Murcia<br />Efectos especiales: Juan Ramón Molina<br />Fotografía: Jose Luis Alcaine<br />Casting: Sara Bilbatua<br />Cinemat/Montador: Jose Salcedo<br />Música: Jose Nieto<br />Vestuario: Gerardo Vera<br />Maquillaje: Miguel Sese<br />Peluquería: Mercedes Guillot<br />Actor / Actriz: Juan Luis Galiardo, Carlos Iglesias, Jose Luis Torrijos, Victor Clavijo, Santiago Ramos, Kity Manver, María Isasi, Marta Etura, Emma Suarez, Juan Diego Botto, Manuel Manquiña, Paco Merino, Fernando Guillén Cuervo, Manuel Alexandre, Joaquin Hinojosa, Jose Luis Alcobendas.<br /></span><br /><span style="color:#ffffff;">Son tantas las películas que cuentan las aventuras de Don Quijote, que esta se considera la enésima versión audiovisual de la inmortal obra de Cervantes. Se trata de una adaptación de la segunda parte del libro clásico, protagonizada por un impecable Juan Luis Galiardo, en el papel de Don Quijote, y por un original y casi desconocido Carlos Iglesias, que encarna a Sancho. Con una dirección artística formidable y el mejor equipo técnico que un cineasta español puede desear, la película es, sin embargo, algo distante, fría, con pocos relieves dramáticos y aburrida por momentos.<br />Esta última obra del polifacético y veterano Gutiérrez Aragón, adaptada del original cervantino también por él, narra el proceso por el cual Alonso Quijano "El bueno" va recuperando la cordura, mientras que su tosco escudero se quijotiza. Respecto al relato original, condensado en dos horas de metraje, necesariamente se sacrifican infinidad de pasajes memorables e importantes matices quijotescos. Aún así, con este film el cineasta cántabro se aleja de la opción más ideológica de Visionarios, su anterior film, y entronca con el trabajo sobre Don Quijote que ya hizo para televisión en 1991 y que le supuso un Premio en el Festival de Cannes. Destacan las breves pero logradas apariciones de Juan Diego Botto, Santiago Ramos, Emma Suárez y Fernando Guillén Cuervo, así como la dirección artística de Félix Murcia y Gerardo Vera, y la música de José Nieto. J.O.<br />El punto que queda por señalar es la tristeza que los seguidores de la novela por antonomasia manifiestan al terminar de ver este filme, y los otros tantos existentes. La razón es que en ninguno de ellos se demuestra con total entereza la valentía, la fuerza y el desplante de un personaje que casi puede ser un superhéroe del siglo XVII. Está también la insistente forma de darle el acento españolizado al Quijote, como si su forma de hablar nunca pudiese actualizarse conforme a los tiempos modernos, en donde se comprendería el vital cambio de un “Buenas tardes, vuesa merced” a un “Buenas tardes, señor”. Lo que deben comprender los directores que desean graficar la historia es que el público requiere de nuevas emociones, velocidad, acción, y si Cervantes supo darse cuenta de que las personas de sus tiempos se asombraban con lo aguerrido de su personaje, los cineastas están obligados a adaptar la historia a las circunstancias actuales, aunque algunos digan que es romper “la tradición cervantina”. El trabajo pendiente: un guión que revitalice el relato, al estilo de “The Lord of the Rings” (con mayores efectos especiales, furia, vitalidad).</span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">Calificación: 4,5 Regular</span></strong><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/2735/1873/1600/Visto%20bueno1.jpg"><strong> </strong></a></span><br /></span>Alejandrohttp://www.blogger.com/profile/03726814733105132013noreply@blogger.com16