DOS MIRADAS DE UN MISMO TEMA



AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA.-


Series que dejan huella.

Reunir los estereotipos de la sociedad actual en un mismo sitio tiene una connotación distinta cuando las personas que los representan están en la obligación de convivir en un edificio o comunidad. Las diferencias, los roces, los malos tratos, las situaciones que son tan propias del ser humano, tal vez por desestimación, o ignorancia, se dejan ver con mayor notoriedad, a medida que pasa el tiempo, sobre todo si, en más de una ocasión, la vida de algunos se ve interferida o desequilibrada, por la intrusión de los demás.
El humor, por cierto, es un arma de doble filo a la hora de utilizar la ironía, el desorden, las palabras que se salen de contexto, y los deseos de convivencia, o las ineludibles escenas en que el amor también toca su parte. ¿Qué valor tiene una serie en la que, a cada segundo, se deja entrever la estupidez con la que las personas tienden a reaccionar ante las trivialidades, y los prejuicios? Muy probablemente esta pregunta se responde a sí misma, ya que, sea de la manera que fuere, las palabras que aparecen siempre están presentes en el subconsciente de todos nosotros, y son lo que, de alguna manera, somos. La pelea interna que se tiene por el hecho de ser “tan solo” un portero, y no haber logrado lo que se deseaba (Emilio); el íntimo resquemor por ser siempre la chica agraciada, aunque ni muy linda ni muy estimable (Belén); las ansias de mantener la calma ante cualquier circunstancia (Señor Cuesta [Juan Cuesta]); el proceso de intentar alcanzar la madurez y expresar las opiniones de un adolescente (JoseMi); la pareja de homosexuales que, si bien se admiten entrambos, actúan cuidando de mantenerse en los límites de la sociedad (Mauricio [“Mauri”] y Fernando); las señoras que se pasan todo el día inventando historias y contando chismes por doquier (Vicente, Marisa, Concha); la mujer que intenta llevar adelante su familia (Isabel [“La Yerbas”]). En consecuencia, lo que se ve a diario en toda clase de cultura; sea que ésta se encuentre en el ambiente español en el que está basada la serie, o en un país de América. De esta forma, capítulo a capítulo, además de disfrutar con las peculiaridades de los personajes, existe una identificación plena con las vivencias, las características, de los miembros de Desengaño 21. Se visualiza a cada intérprete a modo de desahogo de lo que ocurre en el trabajo, en la vida de hogar; con lo que se puede percibir que, mal que mal, fuera del trampolín humorístico, todo eso es un reflejo de la realidad.
La distinción de la serie pasa por el hecho de que recoge un aspecto común y corriente de la existencia, para llevarlo a la pantalla, por medio de demarcaciones logradas y creíbles. Puede ser que en el pasado se haya creado formatos en donde se reúne un grupo de seres con diferentes puntos de vista, y maneras de actuar diversas; sin embargo, en esta ocasión, el trasfondo va dirigido a la sociedad media, la cual, hasta ahora, no había podido ver representados sus conflictos, quehaceres, falencias, y anhelos (en este caso, de la convivencia en los pisos de un edificio, y los deseos de conseguir la casa propia).

Miramón Mendi (propiedad mayoritaria de José Luis Moreno), la productora que, junto a los creadores de la serie, Alberto y Laura Caballero (inspiradores en la tira cómica de Francisco Ibáñez, 13, Rue del Percebe), forjaron la idea de exhibirla semana a semana desde 2003 hasta finales de 2006, a través de Antena 3 de Televisión, vio iniciada una carrera en ascenso, la cual concluyó con la compra de las acciones de ésta, en un 15%, por parte de la cadena de televisión Telecinco, y el término de “Aquí no hay quien viva”. Con todo, Antena 3 sigue transmitiendo los capítulos con igual éxito de audiencia (ya que la marca le pertenece). En cuanto al elenco de la desaparecida “sitcom-serie coral”, siguen sus vidas en “La que se Avecina” (de Telecinco, 2007), que también posee un alto nivel de audiencia.

Calificación: 5,7.

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UNA VERDAD INCÓMODA.-


Título Original: An Inconvenient Truth
Título en Español: Una Verdad Incómoda
Director: Davis Guggenheim
Productores: Lawrence Bender, Scott Z. Burns, Laurie David, Lesley Chilcott (co-productor)
Protagonista: Al Gore
Música: Michael Brook
Edición: Jay Cassidy, Dan Swietlik
Distribución: Paramount Classics
Fecha de Realización: 2006-05-24
Duración: 94 minutos
País: EUA
Lenguaje original: Inglés


Exponer y desmenuzar los aspectos de una situación que afecta a una parte de una ciudad, tal vez un diminuto villorrio, o una comarca alejada de toda urbanización, de alguna u otra manera, se estima, aunque con una atención que empieza hoy y termina mañana. Cuando se trata de resaltar los desajustes e inconvenientes de una situación que abarca a todo un planeta, las opiniones cambian, y se desarrollan por una larga cantidad de tiempo. El registro del celuloide de uno de aquellos grandes problemas mundiales, por cierto, no puede realizarse con minucias, bosquejos vagos, o interpretaciones que se simplifican en imágenes que se dedican a mostrar, y nada más que eso. Se necesita demostración, pruebas, estudios acabados y una línea escénica que, más allá de captar la sensación del momento, proyecte la idea hacia un futuro.
Al Gore nunca ha sido una figura que se dedique a andar con rodeos en sus expresiones; al momento de comprobar que los comicios de 1999 indicaban que su derrota al sillón presidencial era inminente, aceptó el veredicto, y, dicho en términos coloquiales, se fue para la casa con dignidad, sin preguntar más. En esta ocasión, retorna a la escena pública con el tema del momento (por lo menos, que por fin se está tomando en cuenta): el calentamiento global. No se trata de alarmar, de causar pánico, o de reiterar las palabras que se escuchan siempre (por ejemplo, consuma productos que no dañan la capa de ozono, aquellos que dicen “Este producto no daña la capa de ozono”, cuando todos saben que es una falsedad absoluta); se intenta seguir una secuencia lógica que, si bien se centra en la vida del expositor, siempre va resaltando que la labor de recorrer algunas zonas afectadas por el efecto invernadero (Antártica, selva de Centroamérica), sirve para indicar, con dirección, que el fin del documental es impulsar una campaña en pro de la defensa del único sitio que, hasta ahora, se puede habitar con todas las opciones (La Tierra).

Las discusiones que se han llevado en torno a las consecuencias que puede traer el alza de la acumulación de gases nocivos en la atmósfera (Protocolo de Kioto, etc.), a grandes rasgos, han servido sólo para poner el tema en el tapete, ya que, tal cual se grafica en las estadísticas, y se ejemplifica en las imágenes (del documental), las grandes empresas, y la vida actual impiden que las emisiones de CO2 al ambiente disminuyan. Ante eso, queda preguntarse si estas realizaciones cinematográficas, o cualquier intento por detener la arrolladora máquina de la modernidad, proporcionan alguna solución. Esta claro que, con objetividad, la idea es calar en la mente de la personas, y de los gobiernos, para, con inversiones en las áreas respectivas, se elaboren maneras de utilizar fuentes de energía que contaminen menos, y acaben con la problemática. Energía eólica, energía solar, energía de bio-combustibles, e incluso –si se trabaja con equilibrio– la tan desestimada energía nuclear, son sólo algunas de las diferentes variantes que existen a modo de alternativa de los hidrocarburos. El documental comienza con las primeras fotografías de la Tierra tomadas desde el espacio. Elaborar estrategias basadas en la utilización de las energías propuestas con anterioridad permitirá que la expansión de la luz azul de los mares y lo marrón de los continentes, presentes en esas fotografías, se perpetúen, y jamás se conviertan en una capa gris, que de pie para decir “La tierra ayer; la Tierra hoy”.

Calificación: 5,9.



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AVE FÉNIX





Quien lea el titulo, y piense que se trate de un nuevo filme, está equivocado. Sólo escribo este post para agradecer a aquellos que, pese a la inexistencia de comentarios de cine durante más de tres meses, siguen enviando una opinión, las cuales he tenido que leer desde otros ordenadores, debido a que estoy sin Internet durante estos días. A decir lo real, sí tengo acceso a la Net; sin embargo, ha llegado a mi domicilio en un momento en que estoy con trabajos universitarios, labores del trabajo, y tareas particulares (solicitudes de revisión de tesis, escritos, etc.). En virtud de todo esto, estaré de regreso a finales de julio, con nuevas entradas, tal cual el Ave Fénix. Por ahora, vayan a ver películas, arrienden o compren DVD's, descarguen filmes de los programas de descargas, etc. VALE.

Saludos.
Daniel DAC.

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LOS INFILTRADOS.-


Existen historias de vida que siguen una línea horizontal, sin demasiados cambios, con la idea de ser un profesional, o alguien que pueda llegar a sus últimas horas con la opción de tener dónde estar. Otras historias de vida, en cambio, están predeterminadas para participar de los planes de seres que conocen con exactitud lo que es ganarse el sustento día con día. Esos seres a elegir, al principio, pueden estar en un estado de alejamiento y repugnancia, con respecto a las ideas que vienen a establecer aquellos que ven en éstos la prolongación de sus acciones. Lo concreto es que, a medida que pasa el tiempo, las nociones de lo real y lo falso, lo bueno y lo malo, van adaptándose a las circunstancias que aparecen; y desde ese momento se puede concebir que ninguno de sus pasos estará desligado de las opciones tomadas.
Boston es la ciudad escogida para aquel que, ahora con mayor conocimiento, se sume a los requerimientos de lo que, pese a estar en el siglo XXI, todavía sigue viéndose en las calles: el liderazgo de las mafias; y, por consecuencia, las cabezas que comandan dichas bandas. Aquí es cuando surgen las interrogantes que llevan a pensar en los cientos de estrategias que el ser humano es capaz de llevar a la práctica, con el único fin de magnificar sus logros, y mantener la libertad para disponer de lo que desee. Nadie imaginaría que tras un traje de tela, una camisa y una corbata, que, además, pertenecen a una autoridad de la ley y el orden, se oculta el vínculo que, cada minuto, le otorga información de los actos del día, con la idea de estar cumpliendo con la parte del trato; es decir, yo te di de comer, ahora tú me das tranquilidad.
Muchas mentes podrían haber organizado una realización de este tipo; hay que aceptar que los filmes de acción, gángsteres y mafia ocupan un sector propio del cine, y que, en general, siguen una secuencia de prototipos, arquetipos y características homogéneas y comparables. La clave que posee esta versión del crimen organizado es la mirada que le otorga, una visión desde cualquier ángulo que se vea, psicológica, ligada con los sentimientos y los compromisos, el sector humano que lleva consigo cualquier decisión que interfiera con los planes del otro; el rompimiento de las funciones competentes a cada personaje (el policía deja de ser alguien creíble y profesional). Aquel foco, el otro factor a destacar, proviene de la experiencia en esta clase de películas: Martin Scorsese. El director nos viene sorprendiendo con sus reproducciones de la realidad contemporánea desde Taxi Driver, más allá del simple hecho de llevar personas a las salas para extasiarse con los sucesos que causan impacto, y escenas que muestran violencia y balas al por mayor. El realizador conoce que los méritos que se pueda llevar la sociedad actual están en el área afectiva, académica, política, y demás; por lo que, a partir de ahí, pone de manifiesto que también en el área de la delincuencia y la lucha por derrotarla existen los mismos hombres y mujeres, sólo que con diferentes metas e ideas de lo que es vivir.
Reunir la excelencia en actuación, por su parte, es uno de los puntos que nadie puede obviar. Jack Nicholson, de principio a fin, sigue haciendo pensar que el reconocimiento y las ideas que se tienen de él, en cuanto a su versatilidad profesional, aumentan en cada trabajo que realice. Leonardo DiCaprio y Matt Damon, el primero sobre todo, demuestran que trabajar en ellos con constancia puede otorgar grandes logros; lo que da a entender que sus carreras están en el estado de madurez que todo artista alcanza luego de un período de perfeccionamiento.
La aceptación de que esta producción significa un esfuerzo de años por consolidar una postura y una manera de interpretar el devenir actual ya fue reconocido por la Academia. Scorsese lo sabe, y ahora sólo se dispone a que, lejos de cualquier premio, su labor origine mayor exigencia y calidad, en el futuro.

Calificación: 6,2.



VEA UN ESPECIAL DEL OSCAR HONORÍFICO 2007, ENNIO MORRICONE

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DIAMANTE DE SANGRE.-


África, más allá de ser un continente que sigue en inestabilidad, se ha venido transformando en un asidero de ideas que se catapultan al cine tan sólo de escuchar el argumento de la trama. Los inacabables conflictos que se yerguen en sus naciones, junto con los procesos de hambruna y enfermedades, motivan a mostrar lo que significa estar en carne propia en algunas de sus calles terrosas, o en la amplitud de sus sabanas, y parajes. En este sentido, la búsqueda de preseas de valor, que, en su gran mayoría, sólo se extraen en estas tierras, se ha transformado en una industria que supera el simple hecho de mantener obreros para que extraigan minerales. Las ansias por conseguir algo que sobresale del resto aumenta las posibilidades de conformar grupos de poder –y mafia–, que persisten en conseguir sus objetivos, de la forma que fuere. Es aquí donde el ceño de los directores, sin escatimar en consecuencias, despliegan su potencial, en pos de dar a conocer las acciones de un territorio que, día con día, intenta salir de los abusos que se cometen contra sus habitantes, y sus ideales.
Hasta hace algunos años, Sierra Leona formaba parte de la zona escogida para traficar piedras preciosas, y poner al mando de los procesos de excavación a las fuerzas militares del lugar, las cuales estaban, a su vez, lideradas por grupos de facto, muchos de ellos, regidos por políticos del propio país, quienes, por lograr un estatus económico de preferencia, trabajaban en las sombras, a costa de mantener sus escaños de mando. Muchos colaboradores de aquellos políticos lograban establecer lazos de confianza con los gobiernos extranjeros, hasta que se apostaban en puntos clave de la nación, con un aparente obedecimiento a sus superiores, aunque con la idea fija de apoderarse de los botines sólo para ellos, a modo de anhelo personal. Lo palpable es que, a medida que estos personajes, ya sea por su inexperiencia, ya sea por su poca perspicacia, avanzan en su cometido, se ven envueltos en parte de su estrategia, lo que ocasiona, ahora, una persistente lucha por mantener la ética de sus acciones, de tal manera de cumplir con quienes sirven de informantes.
Diamante. La palabra se repite en la mente de Danny (Leonardo di Caprio), quien, con maniobras inherentes a las de un estratega, se embarca en la prosecución de apoderarse de uno de los trofeos que sume a los hombres de estos lugares en guerras civiles, matanza, trabajos forzados –con niños de soldados, además–, dolor, y pobreza. Él sabe que con unas cuantas fuentes de información, podrá regresar a Londres con el propósito ya obtenido. El incesante ir y venir de núcleo, el centro de la conquista de la piedra hará que su fortaleza pase a convertirse en una desesperación por manejar las situaciones, aunque estas se tornen de gris oscuro a negro. Edgard Zwick, organizador de la tensión e inseguridad que rondan por el rostro de Danny, conoce que, por más que seguir mostrando las inclemencias africanas sea una tónica de la industria del celuloide, ninguna historia está lejos de ser desarrollada en su total expresión; y, con notoriedad, cuando esto se efectúa con actuaciones logradas, y un argumento que enflaquece sólo en mínimas secciones.
Las Naciones Unidas, en conjunto con las naciones involucradas en el conflicto, siguen trabajando para que las escenas mostradas en el filme disminuyan (en enero de 2003, cuarenta naciones firmaron “El Proceso de Kimberley”); además de focalizar proyectos albergados en las raíces de estas explotaciones del vivir humano; es decir, la educación, las salvaguardas de los derechos del hombre, y una política sin corrupción ni incumplimiento de los plazos. Es de esperar que dos horas y trece minutos (de película) contribuyan en que esto se analice y se cumpla.

Calificación: 5,9.


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BABEL.-


Interesarse por la fragmentación ideológica, y los conflictos que surgen en un mundo cada vez más comunicado al tiempo que separado es el tónico del día a día. Se ve matanza, hambruna, miseria, guerrilla, palabras que salen de la boca sin reflexión, hostigamiento, y demás. La balanza, en muchas ocasiones, se vislumbra hacia el lado de las odiosidades, debido, en su gran mayoría, a que el planeta se está acostumbrando a darle el favor a la frase “el fin justifica los medios”; sobre todo, en medio de conflictos armados (ya se debe recordar lo sucedido tras el 9-11-2001).
Dentro de esta premisa, surge lo que la especialidad del cine llama “arte de autor”; la mezcla de ideas, sensaciones y opiniones, que un director despliega en alguna de sus obras. En este caso, Iñárritu rueda Babel con la esperada unificación de sus dos filmes anteriores, los cuales han sido considerados parte de una trilogía, aunque con un lenguaje cinematográfico distinto. Los une y entrelaza, esperando encontrar una perfecta comunión, un entendimiento en este mundo que, según él describe, tanto dolor e incomprensión aúna. Más que por el de los choques culturales, la película discurre por el terreno de las barreras comunicativas en un plano general.
Tal cual era de prever, a tenor de lo visto en las otras dos muestras de la trilogía, Arriaga e Iñárritu montan un gran mosaico teñido de tragedia. Dicho mosaico ha tenido una estructura dispar en sus distintas manifestaciones. En Amores Perros, cada una de las unidades temáticas se sucedía una tras otra durante el tiempo de exposición del filme. En 21 gramos, las secuencias de cada trama se mezclaban e incluso, para añadir mayor complejidad, lo hacían sin atender a una linealidad temporal. En Babel, se ha optado por inalterar el orden del tiempo, además de utilizar el montaje paralelo para unir los segmentos. La película, en esta ocasión, se separa del pseudo-progresismo en los términos de las relaciones interculturales. Habla de cómo sobreentendemos y prejuzgamos aquello que no conocemos, y que creemos conocer y ofrece, a su vez, sentimientos de miedo, rechazo e ininteligibilidad más sinceros que los de la mayoría de los discursos que intentan mostrar una tranquilidad inalterable.
Aunque se pueda hablar de irregularidad y banalidad, es cierto también que la resolución del filme es notable. Cierra las historias con tacto delicado, abusando, si acaso, de la estupenda banda sonora de Santaolalla. Ese sentimiento soterrado que se deja respirar libremente en ese brillante tramo final hace que toda la red de incomprensión que se monta a su alrededor valga la pena.
Las figuras del filme, a diferencia de sus anteriores trabajos (el caso de Brad Pitt, por ejemplo), alcanzan una solidez que se deja sentir. Gael García Bernal demuestra otra vez que Iñarritu, más que elegirlo por tradición, conoce dónde puede encontrar carácter y entrega. La fotografía, por su parte, tiene los méritos de un viejo conocido de Inárritu, Rodrigo Prieto, quien expone, con total viveza, lo que el ser humano que forma parte de esas situaciones percibe segundo a segundo en su interior, una inseguridad que se prolonga a cada paso.

Calificación: 5.6.

Trailer de la película.-

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VOLVER.


Hay muchos cineastas que, a pesar de lo que su trabajo viene generando desde hace años, comienzan a perder fuerzas con el paso del tiempo, al punto de llegar a producir filmes que quedan siempre en un puesto menor que sus obras anteriores. Varios de ellos son los llamados “directores grandes”, y, casi siempre, son considerados, por las producciones independientes, soberbios y abarcadores de festivales. Dentro de aquel espectro, sin duda, Pedro Almodóvar es uno de los más citados, al tiempo que uno de los más vapuleados y alabados. ¿En dónde recae, en ese caso, el alza en el contenido, en los temas de sus producciones, lo que contraviene la tradición de “mientras más reciente la película tanto peor”? Los motivos son variados, aunque, por lo general, está la elección que todo guionista-productor encausa desde el principio: la trama. Para Almodóvar, los tiempos de las “Mujeres al borde un ataque de nervios” siguen dando que hablar; de todas formas, lo que se necesita en esta época, donde la lucha está lejos de ser o no feminista, ser o no una mujer liberal, es argumento, madurez, e ideas universales, que identifiquen a la mujer de veintitantos años, a la ama de casa, y, de paso, a los hombres que se sienten amparados en sus figuras. La mecha del pensamiento que oculta emociones bien podría haber sido cualquier suceso que afecte al grupo familiar, y que lleve a los personajes a las conversaciones grotescas, y a las vicisitudes que viajan por el universo almodovoriano. Lo cierto es que esta vez el punto a encontrar es aquel que, de alguna u otra forma, inicia inquietudes, explora lo que todos pueden llegar a sentir después de la pérdida de un ser querido; en resumen, ubicar lo que podría ser catalogado por hecho sobrenatural en un contexto de completa normalidad, sin ahondar demasiado en posibles imaginaciones; manejar el lenguaje de los símbolos y de las emociones.
Un filme sin valor agregado puede dar pie para el fracaso, de ahí que, en esta ocasión, el cineasta español se haya preocupado de enrolar a figuras femeninas de primera línea. De comienzo –una frase que está en todos los comentarios de este filme–, el reencuentro esperado con Carmen Maura, que, sin duda, actúa de manera notable, lo cual lleva a Almodóvar a conectarse con el espacio más adulto de sus ideas, para exponer algo que hasta ahora había dejado de lado: la experiencia encarnada en una actriz. Penélope Cruz, por su parte, manifiesta con creces que el puesto alcanzado dentro de las estrellas cinematográficas deja de ser marketing y un rostro bonito; en esta oportunidad, el carisma, la versatilidad y la fuerza con que interpreta a una de las hijas del “fantasma que retorna” supera lo que muchos directores querrían obtener de sus colaboradores (en frases del propio Almodóvar, “Es asombrosa, casi sin que uno se dé cuenta, en segundos, pasa de la risa al llanto”). El resto del elenco, desde una experimentada Lola Dueñas hasta una novata Yohana Cobo, aportan el círculo de las obligatorias confesiones, complicidades, que, además de pertenecer a una forma propia de convivir de las personas de zonas semi-rurales, extrapola las situaciones al mundo urbano, donde, de igual forma, las relaciones de familia se realizan con un código particular, que sólo les pertenece a ellas.

Dentro de la lista de películas de Almodóvar, sin duda, la que demuestra con total notoriedad el grado de madurez de un director, que, después de haber expuesto temáticas en su mayoría sexuales y de la vida cotidiana, ahora, toma estas ideas, y las vuelve más consistentes, más esenciales.

Calificación: 5,5.

Ver Trailer YouTube

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El Crítico

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Location: Santiago, Región Metropolitana, Chile

    Imagen hospedada por Subir-Imagenes.com

    Imagen hospedada por Subir-Imagenes.com

GANADORES PREMIOS OSCAR 2007






      Mejor Película: Los Infiltrados

      Mejor Director: Martin Scorsese

      Mejor Actor Principal: Forest Whitaker, "El último rey de Escocia"

      Mejor Actriz Principal: Helen Mirren, "The Queen"

      Mejor Actor Secundario: Alan Arkin , "Pequeña Miss Sunshine"

      Mejor Actriz de Reparto: Jennifer Hudson, "Dreamgirls"

      Mejor Película Extranjera: Las vidas de otros, Alemania

      Mejor Guión Original: Michael Arnt, "Pequeña Miss Sunshine"

      Mejor Dirección de Fotografía: Guillermo Navarro, "El laberinto del Fauno"

      Mejor Guión Adaptado: Los Infiltrados

      Mejor Película de Animación: Happy Feet

      Mejor Edición: Thelma Schoonmaker, Los Infiltrados

      Mejor Dirección Artística: El laberinto del fauno

      Mejor Diseño de Vestuario: Milena Canonero ("María Antonieta")

      Mejor Banda Sonora: Gustavo Santaolalla ("Babel")

      Mejor Canción: I need to wake up ("Una verdad incómoda")

      Mejor Maquillaje: El laberinto del fauno

      Mejor Sonido: Dreamgirls

      Mejores Efectos Especiales: Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto

      Mejor Documental: Una verdad incómoda

      Mejor Corto Documental: The blood of Yingzhou district

      Mejor Corto de Animación: The Danish Poet

      Mejor Cortometraje: West bank Story

      Oscar Honorífico: Ennio Morricone.
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